EDGE OF TOMORROW - La muerte le sienta bien a Tom Cruise

El comandante norteamericano William Cage (Tom Cruise) despierta en una base militar británica, despojado de todo rango y enviado a ser carne de cañón en un ataque sorpresa contra los Mimics, una raza alienígena que ha invadido el mundo. Sin experiencia en combate, Cage sale a la guerra junto al resto de su pelotón en lo que luce como una versión futurista de la batalla de Normandía. La misión se convierte rápidamente en un caos, pues los alienígenas se anticipan a toda su ofensiva, como si de antemano conociesen sus planes. Cage ve morir a varios de sus compañeros antes de ser atacado por un Mimic que lo hiere mortalmente, pero éste activa una granada y se sacrifica para acabar con la criatura.

Cage despierta de nuevo en la base militar, en el mismo instante que la primera vez. ¿Fue todo un sueño o realmente ocurrió? Los hechos se repiten de la misma forma, como si de un videojuego se tratase. Cada vez que Cage muere, regresa al mismo punto, pero con la experiencia adquirida en sus fracasos anteriores. Cage intenta alterar su fatal destino en cada nueva vida, pero las infinitas variantes que pueden ocurrir en una situación de combate continúan llevándolo a la muerte.

Esta es la premisa de "Edge of Tomorrow", una obra de ciencia ficción por demás entretenida que respeta la inteligencia de su audiencia y brinda buenas dosis de acción futurista. Una trama que podría tornarse tediosa en muy corto tiempo es manejada hábilmente por el director Doug Liman, quien juega de forma creativa con la fórmula en sus manos. El resultado es una historia intrigante que se reinicia constantemente, pero que toma nuevos caminos en igual proporción.



En una de sus "vidas", una reconocida soldado llamada Rita (Emily Blunt) le pide a Cage que la contacte después de morir. Rita solía contar con la misma habilidad de Cage, la cual es transmitida al entrar en contacto con cierto tipo de Mimic, por lo que Cage se convierte en su única esperanza de sobrevivencia y de salvar al mundo, por supuesto. El personaje de Rita no cae en el cliché de la valiente guerrera que sucumbe ante el encanto del héroe de acción, ni de la damisela en apuros que espera por ser rescatada.

La interpretación de Blunt ubica a su personaje al mismo nivel que el de Cruise, lo cual resulta inusual si se observa el record de películas de acción que Cruise ha protagonizado, donde el rol femenino suele tener un carácter secundario. El film muestra de forma casi obsesiva el momento cuando Rita y Cage se conocen (ella se levanta lentamente tras culminar un ejercicio de meditación, delineando sensualmente los músculos de su cuerpo), haciéndola ver deseable e inalcanzable al mismo tiempo. Rita y Cage dependen el uno del otro para descifrar la estrategia correcta que acabará con los invasores, pero no hay tiempo para el amor con tanto que hacer.

Una debilidad inherente a la trama es que la posibilidad de reiniciar la historia cada vez que Cage muere reduce el peso dramático de sus acciones, pues su personaje siempre tendrá otra oportunidad ante los ojos de la audiencia. Este aspecto es tratado de forma ingeniosa durante el último tercio de película, pero la sensacion de que siempre habrá otra oportunidad, por más sombrío que parezca el escenario, permanece siempre latente. Sin embargo, el aspecto más doloroso del don de Cage no es su propia muerte, sino el ver morir a Rita constantemente, lo que brinda un matiz adicional a la dinámica entre el duo protagónico.

No todo es drama en el film, ya que las incontables muertes de Cage permiten que los cineastas incluyan situaciones humorísticas, lo cual brinda ligereza a una historia que necesita dar momentos de respiro para digerir los múltiples escenarios que se presentan, brindando además algunas de las mejores escenas para Rita, quien muchas veces tiene que ejecutar a Cage por quedar mal herido o por fallar alguna misión. En varias oportunidades, el film muestra aleatoriamente los éxitos y fracasos de Cage, bien sea en medio de combate o intentando escapar de la base militar, pero es el espectador quien debe llenar algunos agujeros dejados intencionalmente por los escritores.

Aunque la confrontación final es bastante genérica y predecible, el film brinda un giro tras otro de forma innovadora. La comedia "Groundhog Day"y el thriller "Source Code" han manejado un concepto similar, pero el escenario futurista y apocalíptico de "Edge of Tomorrow", sumado al buen trabajo de sus dos protagonistas, le aportan a este film una identidad propia. Como en todo buen videojuego, provoca reiniciar y empezar desde cero enseguida que los créditos comienzan a rodar.

Puntuación: 4.50 de 5.

Mas sobre "Edge of Tomorrow":
- Entrevista a Emily Blunt (Hitfix)
- Entrevista al director Doug Liman (Rolling Stone)
- Vivir, Morir, Repetir: Los efectos visuales (FXguide)

LIFE ITSELF: La vida no tan secreta de Roger Ebert

Roger Ebert es el único critico de cine ganador de un premio Pulitzer. Su muerte en abril de 2013 dejó un vacío irreparable en el periodismo de entretenimiento norteamericano y en el ciberespacio en general. Fue co-presentador del famoso programa de TV, "At The Movies", junto a Gene Siskel, y una celebridad en los círculos de festivales de cine, desde Cannes hacia abajo. Su influencia en la industria cinematográfica es indeleble, desde las nuevas generaciones de cineastas hasta veteranos como Martin Scorsese. Ebert fue, además, protagonista de una inigualable historia de amor, la suya y de su esposa, Chaz Ebert. En sus últimos años de vida, Roger perdió el habla debido a un cáncer de tiroides que se extendió a su mandíbula, pero su productividad como crítico y periodista nunca decayó. Utilizaba un software de voz a través de su laptop que le permitía expresarse libremente, algo esencial para un gran comunicador que nunca perdió el poder para comunicarse.

Resumir la vida de Roger Ebert en un párrafo resulta complejo y superfluo, debido a lo cual el director Steve James merece amplio reconocimiento por su inspiradora síntesis de la vida de Roger en el documental "Life Itself". James comenzó la filmación tan solo 5 meses antes de la muerte de Ebert, sin saber que el cáncer que éste padecía empeoraría crónicamente en muy corto tiempo. Debido a esto, la mayoría de la película la filmó en hospitales y salas de terapia, donde Roger sin duda sufrió físicamente pero mantuvo un espíritu indomable y una actitud esperanzadora. El documental recurre entonces a las memorias escritas por Roger, su libro también titulado "Life Itself", para ahondar en su trayectoria profesional y personal. De igual forma, reconocidos críticos de cine, jóvenes cineastas, familiares y amigos aportan detalles esenciales, pero el grueso de esta historia viene de las propias palabras de su protagonista.

Intercalado entre el presente (2012-2013) y momentos esenciales de su vida, el documental fluye con mucha facilidad durante buena parte de sus casi dos horas de duración. Comienza con los inicios de Roger como periodista y su eventual llegada al Chicago Sun-Times, donde reemplazó al crítico de cine del periódico cuando éste se retiró. Una de sus primeras críticas fue la del film "Bonnie and Clyde" en 1967, a la cual definió como "un hito del cine norteamericano", comentario nada desacertado aún hoy en día.  La personalidad extrovertida de Roger lo convirtió en el chico popular del periódico, pero su carácter excesivo lo llevó al alcoholismo y al riesgo de acabar con su carrera y su vida. Su esposa, Chaz, revela en el documental que conoció a Roger en un grupo de alcohólicos anónimos, lo que dio un giro gigantesco a su vida.

Uno de los segmentos más conmovedores del documental gira alrededor de la necesidad que Roger siempre sintió de cultivar nuevos talentos, compartiendo sus conocimientos y opiniones para formar a las nuevas generaciones. Directores jóvenes como Ava DuVernay y Ramin Bahrani, cuyas películas fueron ampliamente recomendadas por Roger, relatan su admiración personal por éste y revelan las huellas que el crítico dejó en sus carreras. De igual forma, el director Martin Scorsese habla ampliamente sobre su amistad con Ebert, a quien considera uno de sus salvadores durante sus momentos mas críticos de adicción a las drogas. Roger elogió incansablemente films como "Taxi Driver" y "Raging Bull", pero nunca dudó en criticar obras de Scorsese como "New York, New York" o "The Color of Money", algo que el director agradece enormemente debido al carácter constructivo de sus comentarios.

El film dedica bastante tiempo a la relación entre Roger y Gene Siskel, su rival del Chicago Tribune, con quien inició su programa de televisión. Lo que lucía como un aburrido programa sobre un par de nerds hablando de películas se convirtió eventualmente en la referencia obligada de todo Estados Unidos antes de ir al cine, hasta el punto que la famosa calificación de Siskel & Ebert de "dos pulgares arriba" o "two thumbs up" adornaba los afiches y carátulas de todas las películas que recibieran el sello de aprobación de ambos críticos. Las acaloradas discusiones entre ambos aportaban drama al programa y el documental muestra abstractos de algunas, como las burlas de Ebert hacia Siskel por su desaprobación del film infantil "Benji The Hunted", o el horror que sintió Siskel cuando a Ebert no le gustó "Full Metal Jacket", de Stanley Kubrick. James muestra también escenas inéditas donde ambos críticos se ofenden mutuamente al grabar una promoción del programa, pero deja claro que su relación evolucionó hasta un estado fraternal antes de la muerte de Siskel en 1999.

Si el film carece de algo, es de las vertientes en la vida de Roger que quedan por fuera. La historia no profundiza demasiado en definir las características que hicieron resaltar el trabajo crítico de Ebert por encima de cualquier otro. De igual forma, su productiva etapa como bloguero y personalidad en redes sociales es solo mencionada brevemente, a pesar del potencial narrativo que despierta el que un periodista sin voz decidió que el internet fuese su megáfono en temas tan amplios como el control de armas en Estados Unidos o el debate sobre el valor artístico de los videojuegos. Así mismo, el periodista Richard Roeper, pupilo de Ebert escogido por éste para substituir a Siskel tras su muerte, no aparece por ningún lado, una omisión sin duda extraña e injustificable.

Obviando lo antes mencionado, el gran logro de "Life Itself" está en que la voz de Roger parece dictar el ritmo y tono del film. El hombre de familia, amigo, mentor y crítico de cine se presenta ante nosotros sin máscaras ni secretos, dejando entrever el amor equidistante que siente por su familia y por el cine. Es doloroso verlo sufrir en los momentos más duros, pero su voluntad para vivir y disfrutar nuevamente de una buena película, así como del calor de su esposa e hijos, fueron razones más que suficientes para que su cuerpo luchara hasta su último respiro. Sus palabras harán falta con cada nueva película que no critique, pero sus opiniones trascenderán para formar un pilar fundamental de la historia contemporánea del cine.

Puntuación: Thumbs Up - 4.5 de 5

Roger Ebert marcó a mucha gente en muchos aspectos, incluyendo a este servidor que desde esta humilde plataforma busca compartir con ustedes, amigos lectores, su amor por el cine. Cuando el internet comenzó a existir en mi casa, mas o menos en 1996, una de mis primeras búsquedas fue la de esos dos nombres que, con sus pulgares arriba, adornaban las carátulas de muchas películas de VHS, lo cual me llevó a escuchar semanalmente el programa de Siskel & Ebert en versión mp3 (no existía Youtube en ese entonces). Hasta la muerte de Roger, su portal www.rogerebert.com fue destino obligado para mí todos los jueves, cuando publicaba sus críticas de los filmes a estrenarse ese viernes. Este sitio continúa activo con nuevos críticos y columnistas que mantienen vivo el espíritu de su trabajo, e igualmente funge como archivo de las críticas escritas por Roger durante toda su carrera. Si quieren entender un poco mas sobre el fenómeno de Roger Ebert, basta con solo escribir el nombre de alguna película que venga a su mente, Roger les dirá con toda honestidad si merece, o no, un pulgar arriba.

GODZILLA: Occidente finalmente honra a los Kaijus

 

El sub-género tokusatsu consiste en historias donde los kaijus, criaturas o monstruos gigantes, atacan o protegen al mundo en feroces batallas. En dichos relatos, los humanos fungen como expectadores de los enfrentamientos y poco pueden hacer para impedir sus devastadoras consecuencias. Gojira, conocido en el occidente como Godzilla, es el kaiju más famoso dentro y fuera de Japón, y vuelve a las pantallas del mundo en el film "Godzilla", dirigido por Gareth Edwards. Esta nueva versión no tiene vínculo alguno con la entrega norteamericana de 1998, sino que se relaciona temáticamente con el primer film "Gojira" de 1954.

El film comienza con un montaje que muestra las consecuencias de la energía nuclear sobre la naturaleza y cómo el gobierno japones intentó deshacerse de una enorme criatura en los años 50, utilizando la misma bomba atómica que contribuyó a su creación. Décadas después, en 1999, Joe y Sarah Brody (Bryan Cranston y Juliette Binoche) viven lo que parece ser un día normal en las afueras de una planta nuclear en Janjira, Japon, donde ambos viven y trabajan. Sin embargo, un misterioso temblor ocasiona una fuga radioactiva en la cual Sarah pierde la vida ante la mirada impotente de su esposo, quien predijo que este evento sucedería y sospecha la existencia de alguna fachada detrás del incidente. 

15 años despues, Joe vive en Tokio y continúa obsesionado con la muerte de su esposa, lo cual lo mantiene alejado de su hijo Ford (Aaron Taylor-Johnson). Joe es arrestado por intentar entrar a una zona en cuarentena, por lo cual Ford debe viajar a sacarlo de prisión. Una vez afuera, Joe convence a Ford de volver a su hogar en Janjira, pero ahí son arrestados y recluídos dentro de la antigua planta nuclear, donde los doctores Ishiro Serizawa (Ken Watanabe) y Vivienne Graham (Sally Hawkins), estudian una especie de capullo gigante que emite pulsos electromagnéticos y se alimenta de energía nuclear. Poco después, una criatura gigante emerge del capullo, generando caos y destrucción. La criatura, eventualmente conocida como MUTO (Massive Unidentiefied Terrestrial Organism) se lanza al mar y emprende un viaje hacia el oeste, con la intención de aparearse con otro MUTO que nace en el desierto de Nevada, Estados Unidos.

Es entonces cuando Godzilla surge del medio del océano, con la única misión de cazar a las criaturas y evitar que se reproduzcan. Su primera aparición brinda una de las secuencias más emocionantes del film, pero es poco lo que vemos del monstruo en este momento. La perspectiva de la historia se mantiene enfocada en los humanos, en una decisión creativa reminiscente a la empleada por Steven Spielberg en "Jaws", pues la audiencia sólo logra ver lo que los personajes observan dentro de su esfuerzo por sobrevivir a la destrucción ocasionada por los monstruos. Los humanos se convierten entonces en meros insectos al lado de las titánicas batallas entre Godzilla y los MUTOs, que arrasan con ciudades como Honolulu y Las Vegas, antes de encontrarse en la ciudad de San Francisco. 

Gracias a esto, buena parte del film se siente más como una historia de desastres que una película de monstruos, lo cual le brinda al director Gareth Edwards la oportunidad de mostrar alegorías visuales a hechos reales como los recientes tsunamis de Filipinas y Japón o los ataques del 11 de Septiembre. No por esto el film deja de ser fiel a sus orígenes, pues eventualmente las batallas adquieren la preponderancia que se espera de este tipo de películas. El ataque de un MUTO a un tren en el aeropuerto de Honolulu es prácticamente una recreación de la misma escena del clásico de 1954, mientras que la batalla de San Francisco entre Godzilla y los MUTOs es tan épica como sus mejores luchas en el centro de Tokio. El trabajo visual alcanzado por Edwards y su director de fotografía, Seamus McGarvey, así como la banda sonora de Alexander Desplat, elevan sobremanera el logro artístico del film, algo que muchos estudios habrían sacrificado con facilidad en pro de mostrar más explosiones y peleas de monstruos.

Donde "Godzilla" muestra sus costuras es en el desarrollo de algunos personajes, principalmente el de su protagonista, Aaron Taylor-Johnson.  El actor de "Kick-Ass" es en extremo inexpresivo en este papel, por lo que algunos momentos dramáticos se pierden debido a su expresión letárgica que no comunica lo que el guión pretende. Por el contrario, Bryan Cranston otorga la mejor interpretación en la cinta, pero su personaje solo lleva la batuta por un tercio de película. Elizabeth Olsen hace lo que puede en un rol limitado como la esposa de Ford, pero logra brindar una conexión emocional auténtica. El eventual reencuentro con su esposo dentro del caos de la batalla en San Franciso se convierte en el principal motivo de empatía hacia los protagonistas humanos de la historia.  

Pero quien va a al cine a ver un film de Godzilla lo hace por los efectos visuales, los cuales no decepcionan. Godzilla en especial mantiene un aspecto muy similar al de los films japoneses, pero con todos los detalles agregados que la tecnología de hoy permite crear. Los MUTOs son un tanto mas genéricos en su aspecto, pero sin duda bien realizados. Los animadores aportaron también algo de humor visual a las criaturas, como cuando los MUTOs hembra y macho se reunen por primera vez y parecen abrazarse, lo cual le da algo de humanidad a estos monstruos carentes de personalidad. La batalla final entre Godzilla y los MUTOs en la ciudad de San Francisco contiene el mayor despliegue de efectos visuales y brinda una conclusión emocionante y satisfactoria a esta historia. Finalmente una versión occidental de Godzilla acierta en mantener la esencia del icónico kaiju, ver a Godzilla abrir con sus garras la mandíbula de un MUTO y escupir fuego dentro de su boca es uno de esos momentos que provoca ver una y otra vez. 

Puntuación: 4.25 de 5.

Más sobre "Godzilla":

- La evolucion de Godzilla (IGN)

- Entrevista a Gareth Edwards (Den of Geek)

 

CHEF: Comida cubana para el alma

Resulta interesante cuando un director, acostumbrado a trabajar en films de alto presupuesto como "Iron Man" y "Cowboys & Aliens", decide filmar proyectos pequeños y mas personales. Jon Favreau es recordado en el cine independiente por su trabajo como escritor y protagonista de "Swingers", un clásico de culto, pero su labor tras cámaras no se paseaba por terrenos de bajo costo desde hace mucho tiempo. Su nuevo film, "Chef", cuenta con un reparto de alto calibre, pero carga consigo un aire bastante íntimo y personal, ideal para contrarestar una temporada de verano que se caracteriza por enormes películas llenas de acción y efectos visuales.

Favreau escribe, dirige y protagoniza esta historia como Carl Casper, un chef de un popular restaurante en la ciudad de Los Angeles, quien pierde su trabajo tras insultar en público a un crítico de comida (Oliver Platt) que escribió palabras muy poco halagadoras sobre su menú. Carl pretendía sorprender al crítico con un menú original, pero su jefe Riva (Dustin Hoffman) lo obliga a servir sus grandes éxitos, los cuales resultan predecibles y aburridos para el crítico. La reacción de Carl se propaga rapidamente por internet a traves de las redes sociales (un mundo totalmente desconocido para Carl), arruinando su carrera en cuestión de segundos.

En el plano personal, Carl está divorciado de Inez (Sofía Vergara) y se siente distanciado de su hijo de 10 años, Percy (Emjay Anthony). Luego de su debacle, Inez invita a Carl a acompañarla a Miami junto a Percy, con la excusa de distanciarlo unos días del escándalo y brindarle la oportunidad de compartir más tiempo con su hijo. Sin embargo, Inez también pretende despertar en Carl un sueño frustrado: tener su propio negocio de comida. Miami se convierte así en el catalizador para que Carl salga de su depresión y se plantee la meta de abrir un carrito de comida cubana



El guión destila un mensaje simple pero poderoso ya que aboga por la persistencia para cumplir los sueños aunque todo parezca perdido, y sobre todo cuando así sucede. Favreau lleva su rol protagónico con total naturalidad y su pasión por la comida se traduce en una experiencia sensorial para el espectador. Desde la forma como Carl prepara un sandwich con queso para su hijo hasta el sofisticado menú que el crítico nunca llega a probar, el film despierta el apetito de principio a fin.

"Chef" también merece una mención especial por incorporar elementos de la cultura latinoamericana sin caer en estereotipos, sino asumiéndola como una parte intrínseca de la geografía norteamericana, especialmente California y Florida. Sofía Vergara es mucho más discreta en su interpretación comparada con su actuación en la serie "Modern Family", además que su personaje posee una posición socio económica exitosa por mérito propio. Otros actores como Robert Downey Jr., Scarlett Johansson y Bobby Cannavale tienen papeles pequeños, pero es el niño Emjay Anthony quien comparte el mayor tiempo en pantalla junto a Favreau.
 
El viaje que Carl, Percy y Martin (John Leguizamo) emprenden de regreso a Los Angeles en su carrito de comida, con paradas en centros gastronómicos de ciudades como New Orleans y Austin, se convierte en el puente de unión entre padre e hijo. Representando a la generación del milenio, Percy ayuda a su padre a promocionar su negocio mediante las redes sociales, mientras que Carl le enseña a su hijo todo lo que sabe sobre cocina. En este punto, la historia no arroja giros inesperados o conflictos innecesarios, sino que nos invita a disfrutar de un viaje en el que padre e hijo se reencuentran de la forma que nunca imaginaron, todo esto mientras nuestras papilas gustativas anhelan un sandwich relleno de jamón cocido, lechón, pepinillo, queso y mostaza.

Puntuacion: 4.25 de 5

Más sobre "Chef":

- Entrevista a Jon Favreau (Vulture)

- Qué opinan chefs verdaderos sobre "Chef" (Portland Press Herald)

MALEFICENT: La villana convertida en heroína

Toda historia tiene al menos dos puntos de vista. Los vencedores en todo conflicto suelen imponer su versión frente a la de los derrotados, maquillándola usualmente para aumentar la grandeza de sus hazañas. En el caso de los cuentos de hadas, las cosas suelen ser más simples: los buenos siempre triunfarán, mientras que los villanos caerán debido a su propia oscuridad. Tal fue el caso de la reina malvada de Blanca Nieves, la terrible madrastra de Cenicienta y, por supuesto, de Maléfica, la bruja del bosque encantado que hechizó a la recién nacida princesa Aurora, condenándola a pincharse el dedo con una rueca y morir el día de su décimo sexto cumpleaños.
 
El recuerdo más claro de todas estas historias está en los films animados de Disney, corporación experta en mantener vigentes a sus princesas en la memoria de nuevas generaciones. "Sleeping Beauty" se estrenó en 1959 y  ha sido re-estrenada innumerables veces, tanto en el cine como en VHS, DVD, Blu Ray y cuanto formato exista. Por tanto, una nueva versión no animada debe luchar contra el recuerdo colectivo del film original y mostrar a su vez una perspectiva innovadora que justifique su existencia.
 
He aquí el nuevo film "Maleficent", donde Angelina Jolie interpreta a la temible bruja, un rol que parece hecho a su medida. El ángulo nuevo de la película es que la historia de La Bella Durmiente es contada a través de los ojos de la villana, pues hasta ahora sólo sabíamos sobre su resentimiento, algo exagerado, tras no haber sido invitada a la presentación de la princesa Aurora. En esta historia, una joven Maléfica (Isobelle Molloi) vive en armonía con los seres mágicos del bosque encantado, sus cuernos y alas son parte de su esencia y no representan maldad alguna. Un día se topa con el joven Stefan (Michael Higgins), por quien desarrolla un amor platónico durante su adolescencia. Con el paso del tiempo, las rivalidades entre los hombres y las criaturas del bosque separan a Maléfica y Stefan, pero éste regresa a ella en su adultez, aunque con otras intenciones.

Maléfica es traicionada por Stefan (Sharlto Copley) y es aquí donde inicia el cuento que todos conocemos. Stefan se convierte en rey, se casa y tiene a su hija, Aurora. La recreación de la icónica escena donde Maléfica hechiza a la princesa se apega fielmente al film animado, pero el conocer los motivos de la villana nos brinda una interpretación distinta de sus acciones. Lo mismo ocurre durante la infancia de Aurora, pues descubrimos que Maléfica jugó un rol importante en su crianza, aunque a escondidas de sus tres cuidadoras, las hadas Flora (Imelda Staunton), Fauna (Lesley Manville) y Primavera (Juno Temple).
 
 

Hasta este punto, el guión cumple su promesa de mostrarnos una nueva perspectiva dentro de una historia conocida, pero a mitad de camino comienza a tomar un rumbo menos atractivo. La relación entre Maléfica y Aurora (Elle Fanning) se torna maternal, lo cual empuja a la villana a dudar acerca de mantener o no el hechizo contra ella. Este giro en la trama contradice enormemente el legado del personaje, pero define sin chistar el rumbo del resto de la historia. Gracias a esto, "Maleficent" se convierte en otra historia de princesas, inspirada en "Sleeping Beauty" pero que transforma las intenciones de su figura antagónica hasta el punto que deja de ser una villana.
 
La recreación de lugares icónicos basados en el film animado, como la casa de Aurora en el bosque o el laberinto de espigas, son obra de Robert Stromberg, director de arte en películas como "Alice in Wonderland" y "Oz: The Great and Powerful" que debuta en esta oportunidad en la silla del director. Sin embargo, no todo el trabajo visual es exitoso, en especial algunos efectos digitales, entre ellos el bosque encantado, que parece sacado de la Pandora de "Avatar", o las hadas madrinas, cuyas proporciones físicas lucen deformes y desagradables a la vista.
 
El principal atino está en el maquillaje y vestuario de Maléfica, acompañados de una inolvidable interpretación de Angelina Jolie, quien con tan sólo mostrar una fría mirada destila lo intimidante y macabro de su personaje, a pesar de que el film suaviza su maldad.

Quienes no tengan apego hacia el film animado muy probablemente disfrutarán más esta nueva versión, pues la historia fluye con bastante dinamismo y humor. Por desgracia, un buen número de personajes secundarios reciben un desarrollo bastante pobre, comenzando por el rey Stefan, el verdadero villano de esta versión, así como las tres hadas madrinas, que muy poco tienen que hacer. Para bien o mal, el film le pertenece a Jolie de principio a fin.

Puntuacion: 3.5 de 5.


Más sobre "Maleficent":

- Visita al set de "Maleficent" (IGN) 

- Rueda de prensa con Angelina Jolie y Elle Fanning (Flicks And The City)
 

X-MEN: DAYS OF FUTURE PAST - La redención de Bryan Singer

La película "X-Men" y su secuela "X2: X-Men United", ambas dirigidas por Bryan Singer en 2000 y 2003, fueron precursoras del gran boom de films de súperhéroes que invaden las salas de cine hoy en día. Poco después, Singer abandonó la franquicia y rechazó dirigir el tercer film para trabajar en el fiasco que fue "Superman Returns", y desde entonces los X-Men han sufrido un buen número de altibajos en la pantalla grande. "X-Men: The Last Stand", la supuesta conclusión de la trilogía, es recordada por motivos poco halagadores, al igual que "X-Men: Origins: Wolverine", otro desastre enfocado en el origen de Wolverine (Hugh Jackman). Las cosas mejoraron con "X-Men: First Class", una precuela que cuenta el inicio de la relación entre Charles Xavier (James McAvoy) y Erik Lehnsherr (Michael Fassbender), los futuros Profesor X y Magneto, así como con el segundo spin-off "TheWolverine", el cual explora una aventura de Logan en Japón.

Sin embargo, el mal sabor que dejó la salida de Singer se mantuvo latente desde entonces, pues los cimientos construidos por el director se derrumbaron y otros tuvieron que recoger los pedazos. Cuando Matthew Vaughn, director de "First Class", decidió no involucrarse en la nueva "X-Men: Days of Future Past", Singer decidió regresar a la silla de director, lo cual representó una oportunidad de redención poco común en Hollywood. La situación no pudo ser más idónea, pues la trama de DOFP involucra tanto al reparto original como al de las precuelas, convirtiendo al film en una reunión de jóvenes y veteranos de la franquicia. Para fortuna de todos, el resultado es uno de los mejores films de los X-Men dentro de los ocho hasta ahora realizados. 

En un futuro cercano, la raza mutante está siendo exterminada por un ejército de robots llamados "Centinelas", programados para asimilar los poderes de sus prezas y destruirlos con sus propias habilidades. La guerra se sale de control y los Centinelas comienzan a atacar también a los humanos no mutantes, creando caos y destrucción reminiscentes al día del juicio final de la saga de Terminator. Un pequeño grupo de mutantes sobrevivientes, entre ellos Wolverine, Storm (Halle Berry), Iceman (Shawn Ashmore), Kitty Pryde (Ellen Page), Magneto (IanMckellen) y el Profesor X (Patrick Stewart), combaten a los Centinelas con sus últimos recursos, pero es sólo cuestión de tiempo para que sean aniquilados por las feroces máquinas.


Como último recurso, el profesor X envía a Wolverine al pasado mediante los poderes de Kitty Pryde, específicamente a 1973, con el fin de evitar la creación de los Centinelas y prevenir así la destrucción de los mutantes. Su misión es impedir que Mystique (Jennifer Lawrence) asesine al creador de los Centinelas, Bolivar Trask (Peter Dinklage), pues dicho acto provocará la aprobación del programa de Centinelas por parte del gobierno de Richard Nixon. En el pasado, Wolverine se reúne con los jóvenes Bestia (Nicholas Hoult) y Xavier, quienes viven una situación bastante distinta a cuando los vimos por última vez en "First Class". Su grupo de X-Men ha sido exterminado y Magneto se encuentra prisionero dentro del Pentágono debido a su presunta responsabilidad por el asesinato a JFK, en otra alegoría a hechos históricos recientes donde los X-Men estarían involucrados directamente (en el film anterior, la crisis de los misiles con Cuba fue el centro del acto final).  

Todo lo resumido hasta ahora cuenta sólo lo ocurrido en el primer acto del film. DOFP contiene una trama con más de una docena de personajes, lo cual más de una vez ha provocado que los films de X-Men se sientan saturados y carezcan de una historia cohesiva. En este caso, los guionistas se aseguraron de proporcionar arcos dramáticos a la mayoría de los personajes, aunque es inevitable que algunos carezcan de cierto desarrollo. Wolverine es el hilo conector entre el futuro y el pasado, pero el protagonista de la historia continúa siendo el joven profesor X, liberado temporalmente de su silla de ruedas gracias a un suero inventado por Bestia, el cual le permite caminar pero suprime sus habilidades mutantes. Cual adicto a las drogas, característico de la era hippie, Charles necesita constantes dosis del suero para mantener silentes las voces que despiertan en su mente, pero a su vez Wolverine necesita de sus poderes para encontrar a Mystique.

El foco se ubica nuevamente en las posiciones contrarias de Charles y Erik con respecto al desbalance entre humanos y mutantes y cómo afrontar la amenaza de quienes desean eliminarlos. Fassbender sigue otorgando la mejor caracterización de la nueva generación de X-Men, mostrando una ira reprimida que lo convierte en una amenaza para sus propios aliados, mientras que McAvoy deja ver una faceta más oscura del profesor X. Sorprendentemente, Bolivar Trask no resulta tan impactante como el nuevo villano del film, principalmente porque el guión no explora sus intenciones ni aporta motivos suficientes para amar u odiar al personaje, algo sin duda decepcionante al comparar el excepcional trabajo que Peter Dinklage realiza en la serie ¨Game of Thrones¨. Por otro lado, la Mystique de Jennifer Lawrence cuenta con un rol más preponderante en esta ocasión, sin duda gracias a que su estatus dentro de Hollywood ha crecido enormemente en los últimos años.  

Un personaje que ha sido motivo de cierta controveria detrás de cámaras es Quicksilver (Evan Peters), quien posee la habilidad de viajar a alta velocidad al buen estilo de Flash. Marvel comparte los derechos del personaje junto a Fox, por lo que también lo veremos en ¨Avengers: Age of Ultron¨ el próximo año. Aunque su aparición es breve, Quicksilver se roba cada minuto en escena y la secuencia del rescate de Magneto dentro del Pentágono es la más memorable del film, gracias también a un manejo muy inteligente de la perspectiva del mutante cuando viaja a alta velocidad, así como una dosis necesaria de humor. A Marvel no le será sencillo superar esta interpretación del personaje.

En lugar de dejar las secciones del futuro para el comienzo y final de la historia, pasado y futuro están editados de forma entrelazada, lo cual le otorga mayor impacto al desarrollo dramático de la trama, aún cuando los personajes en el futuro cuentan con un tiempo en pantalla mucho más limitado. Gracias a esto, Singer le otorga una despedida adecuada al reparto original a la vez que pasa la batuta a la nueva generación de X-Men, aunque es difícil imaginar que no veremos de nuevo a McKellen, Stewart o Berry en estos papeles ahora que han regresado a la palestra. Con DOFP, el director no sólo logra redirmirse por haber dejado a la franquicia a la deriva, sino que se deshace rápidamente de cualquier vestigio de continuidad con respecto a los detestados ¨The Last Stand¨ y ¨Origins: Wolverine¨. Nada como un viaje en el tiempo para hacer borrón y cuenta nueva. 

Puntuación: 4.5 de 5.

THE AMAZING SPIDER-MAN 2: Déjà vu por segunda vez

Al comprar mi boleto para ver "The Amazing Spider Man 2", la pequeña impresión en el ticket decía "Spider Man 2", una inofensiva omisión por parte de quien esté a cargo de definir lo que un boleto debe decir, que no dejó de resonar en mi mente por las siguientes horas. "Spider Man 2" es considerada una de las mejores películas de súper héroes hasta hoy y fue la cúspide de la trilogía de Sam Raimi, protagonizada por Tobey Maguire y Kirsten Dunst. Lamentablemente, el bodrio de "Spider Man 3" hizo que los estudios Sony decidieran hacer un "reboot" de la franquicia apenas cinco años después, con nuevo reparto, nuevo director y un pequeño cambio de título. "The Amazing Spider-Man" fue un éxito comercial que generó opiniones encontradas, pues para muchos no era necesario empezar de cero y volver a contar el origen de Spider-Man, pero el recibimiento fue suficientemente positivo como para garantizar el inicio de una nueva saga.

"The Amazing Spider-Man 2" intenta sacudir la percepción de estar contando la misma historia, pero sus ambiciones provocan que se derrumbe sobre su propio peso. Un nuevo villano aparece en la forma de  Max Dillon (JamieFoxx), un solitario e inseguro científico de Oscorp obsesionado con Spider-Man, quien sufre un accidente laboral donde es atacado por anguilas eléctricas y se convierte en Electro. Al mismo tiempo, Harry Osborne (Dane DeHaan), alias el Duende Verde, debuta en esta saga tras ser interpretado por James Franco en la trilogía anterior. Harry acaba de perder a su padre, Norman Osbourne (Chris Cooper), y teme sufrir su mismo destino debido a una enfermedad genética incurable. La historia abarca también el misterio alrededor de la muerte de los padres de Peter Parker (Andrew Garfield), así como el debate interno de Peter entre continuar o no su relación con Gwen Stacy (Emma Stone), pues teme que sus labores como vigilante de la justicia la coloquen en peligro. Por último, la película pretende servir de plataforma para el spin-off "The Sinister Six", por lo cual asoma a un tercer villano llamado Rhino (Paul Giamatti).

En el centro de todos estos elementos existe un arco emocional bien desarrollado entre Peter y Gwen, quienes continúan mostrando una química mucho mayor a la que jamás hubo entre Peter y Mary Jane en los films de Raimi. El Peter Parker de Andrew Garfield nos permite olvidarnos de Spider-Man cuando está en pantalla, algo inusual en un film de súper héroes que demuestra la fortaleza en su interpretación, mientras que Stone continúa aportando su inteligencia y humor para hacer de Gwen Stacy la novia que Peter jamás dejaría ir, aún conociendo el peligro al cual la expone. De igual forma, la escena más emotiva del film consiste en una conversación entre Peter y su tía May (Sally Field), quien expone su punto de vista ante la tarea de fungir como madre de Peter desde su infancia. Con escenas como esa el director Marc Webb demuestra su habilidad para relatar historias que nos permitan empatizar con los personajes antes de que comiencen las explosiones y las persecuciones, pero su impacto se diluye debido a que el guión maneja demasiados hilos narrativos que le impiden a la historia respirar antes de seguir adelante.

La representación de Electro cae en el cliché del científico que sufre un accidente y adquiere súper poderes que lo llevan a la locura, algo quizás inevitable en el género pero que en este caso se maneja con un tono caricaturesco reminiscente de los films de Batman de Joel Schumacher. Foxx realiza un trabajo decente en el rol pero la trama presenta a Electro como un antagonista de Spider-Man y luego lo saca del panorama por buena parte del film, reinsertándolo hacia el final como un secuaz y no como el villano principal. En el interín, El Duende Verde entra en acción y se convierte en la mayor amenaza para Spider-Man. Dane DeHaan fue una elección interesante para el rol, sus escenas más intensas traen memorias de un joven Leonardo DiCaprio en películas como "Basketball Diaries" y su vibra y aspecto emo cuajan con el personaje, pero en pocas escenas debemos aceptar su transformación de niño rico incomprendido a psicópata desquiciado, esto gracias a la necesidad de establecer su rol como líder de los "Seis Siniestros" en películas futuras.

En cuanto a Rhino, su presencia es breve y la interpretación de Giamatti completamente sobreactuada, algo que genera muy poco interés en el futuro del personaje dentro de la franquicia. Por otro lado, el secreto detrás de la muerte de los padres de Peter recibe un extenso tratamiento para luego ser revelado sin mayores bombos ni platillos, sin duda una decepción al ser uno de los pocos factores inexplorados que aportaba cierta novedad a esta saga. Al menos Webb tomó la sabia decisión de sacar del film a la nueva Mary Jane, cuyas escenas se filmaron pero no pasaron de la sala de edición, pues su presencia habría colaborado aún más en contra de la consistencia de la historia.

 

Ver a Spider-Man saltar entre rascacielos continúa siendo uno de los mayores placeres visuales, aún después de cinco entregas. Las escenas de acción se exceden un tanto en el uso de efectos que a veces dan la impresión de observar un videojuego en lugar de una película. El enfrentamiento entre Spider-Man y Electro en Times Square es el más vistoso y entretenido, mientras que la batalla final entre ambos dentro de una planta eléctrica también resulta satisfactoria, a pesar del cambio de rol en Electro antes mencionado. Asimismo, un giro en la historia harto conocido y esperado por los conocedores del cómic es manejado con gran fidelidad y genera un desenlace dramático poderoso, aunque el film se extiende más de lo necesario para mostrar el impacto que este hecho genera, abriendo a una vez más el terreno para secuelas y spin-offs.
 

Después de dos películas, los estudios Sony siguen sin presentar una historia que justifique el borrón y cuenta nueva de la franquicia. Webb tiene la sensibilidad necesaria detrás del lente y Garfield sigue siendo la mejor excusa para ver los films, pero la trama sigue sintiéndose como una versión de la original, con elementos nuevos y otros reciclados, mas no como una visión única del súper héroe. "The Amazing Spider-Man 2" se acerca más a "Spider-Man 3" que a "Spider-Man 2", algo preocupante para el futuro del arácnido súper héroe en la gran pantalla.

Puntuación: 3 de 5. 

Mas sobre "The Amazing Spider-Man 2":

- Por qué el film eliminó a Shailene Woodley de la trama. (LA Times)
- Entrevista a Emma Stone sobre el final del film. (Huffington Post)