MALEFICENT: La villana convertida en heroína

Toda historia tiene al menos dos puntos de vista. Los vencedores en todo conflicto suelen imponer su versión frente a la de los derrotados, maquillándola usualmente para aumentar la grandeza de sus hazañas. En el caso de los cuentos de hadas, las cosas suelen ser más simples: los buenos siempre triunfarán, mientras que los villanos caerán debido a su propia oscuridad. Tal fue el caso de la reina malvada de Blanca Nieves, la terrible madrastra de Cenicienta y, por supuesto, de Maléfica, la bruja del bosque encantado que hechizó a la recién nacida princesa Aurora, condenándola a pincharse el dedo con una rueca y morir el día de su décimo sexto cumpleaños.
 
El recuerdo más claro de todas estas historias está en los films animados de Disney, corporación experta en mantener vigentes a sus princesas en la memoria de nuevas generaciones. "Sleeping Beauty" se estrenó en 1959 y  ha sido re-estrenada innumerables veces, tanto en el cine como en VHS, DVD, Blu Ray y cuanto formato exista. Por tanto, una nueva versión no animada debe luchar contra el recuerdo colectivo del film original y mostrar a su vez una perspectiva innovadora que justifique su existencia.
 
He aquí el nuevo film "Maleficent", donde Angelina Jolie interpreta a la temible bruja, un rol que parece hecho a su medida. El ángulo nuevo de la película es que la historia de La Bella Durmiente es contada a través de los ojos de la villana, pues hasta ahora sólo sabíamos sobre su resentimiento, algo exagerado, tras no haber sido invitada a la presentación de la princesa Aurora. En esta historia, una joven Maléfica (Isobelle Molloi) vive en armonía con los seres mágicos del bosque encantado, sus cuernos y alas son parte de su esencia y no representan maldad alguna. Un día se topa con el joven Stefan (Michael Higgins), por quien desarrolla un amor platónico durante su adolescencia. Con el paso del tiempo, las rivalidades entre los hombres y las criaturas del bosque separan a Maléfica y Stefan, pero éste regresa a ella en su adultez, aunque con otras intenciones.

Maléfica es traicionada por Stefan (Sharlto Copley) y es aquí donde inicia el cuento que todos conocemos. Stefan se convierte en rey, se casa y tiene a su hija, Aurora. La recreación de la icónica escena donde Maléfica hechiza a la princesa se apega fielmente al film animado, pero el conocer los motivos de la villana nos brinda una interpretación distinta de sus acciones. Lo mismo ocurre durante la infancia de Aurora, pues descubrimos que Maléfica jugó un rol importante en su crianza, aunque a escondidas de sus tres cuidadoras, las hadas Flora (Imelda Staunton), Fauna (Lesley Manville) y Primavera (Juno Temple).
 
 

Hasta este punto, el guión cumple su promesa de mostrarnos una nueva perspectiva dentro de una historia conocida, pero a mitad de camino comienza a tomar un rumbo menos atractivo. La relación entre Maléfica y Aurora (Elle Fanning) se torna maternal, lo cual empuja a la villana a dudar acerca de mantener o no el hechizo contra ella. Este giro en la trama contradice enormemente el legado del personaje, pero define sin chistar el rumbo del resto de la historia. Gracias a esto, "Maleficent" se convierte en otra historia de princesas, inspirada en "Sleeping Beauty" pero que transforma las intenciones de su figura antagónica hasta el punto que deja de ser una villana.
 
La recreación de lugares icónicos basados en el film animado, como la casa de Aurora en el bosque o el laberinto de espigas, son obra de Robert Stromberg, director de arte en películas como "Alice in Wonderland" y "Oz: The Great and Powerful" que debuta en esta oportunidad en la silla del director. Sin embargo, no todo el trabajo visual es exitoso, en especial algunos efectos digitales, entre ellos el bosque encantado, que parece sacado de la Pandora de "Avatar", o las hadas madrinas, cuyas proporciones físicas lucen deformes y desagradables a la vista.
 
El principal atino está en el maquillaje y vestuario de Maléfica, acompañados de una inolvidable interpretación de Angelina Jolie, quien con tan sólo mostrar una fría mirada destila lo intimidante y macabro de su personaje, a pesar de que el film suaviza su maldad.

Quienes no tengan apego hacia el film animado muy probablemente disfrutarán más esta nueva versión, pues la historia fluye con bastante dinamismo y humor. Por desgracia, un buen número de personajes secundarios reciben un desarrollo bastante pobre, comenzando por el rey Stefan, el verdadero villano de esta versión, así como las tres hadas madrinas, que muy poco tienen que hacer. Para bien o mal, el film le pertenece a Jolie de principio a fin.

Puntuacion: 3.5 de 5.


Más sobre "Maleficent":

- Visita al set de "Maleficent" (IGN) 

- Rueda de prensa con Angelina Jolie y Elle Fanning (Flicks And The City)
 

X-MEN: DAYS OF FUTURE PAST - La redención de Bryan Singer

La película "X-Men" y su secuela "X2: X-Men United", ambas dirigidas por Bryan Singer en 2000 y 2003, fueron precursoras del gran boom de films de súperhéroes que invaden las salas de cine hoy en día. Poco después, Singer abandonó la franquicia y rechazó dirigir el tercer film para trabajar en el fiasco que fue "Superman Returns", y desde entonces los X-Men han sufrido un buen número de altibajos en la pantalla grande. "X-Men: The Last Stand", la supuesta conclusión de la trilogía, es recordada por motivos poco halagadores, al igual que "X-Men: Origins: Wolverine", otro desastre enfocado en el origen de Wolverine (Hugh Jackman). Las cosas mejoraron con "X-Men: First Class", una precuela que cuenta el inicio de la relación entre Charles Xavier (James McAvoy) y Erik Lehnsherr (Michael Fassbender), los futuros Profesor X y Magneto, así como con el segundo spin-off "TheWolverine", el cual explora una aventura de Logan en Japón.

Sin embargo, el mal sabor que dejó la salida de Singer se mantuvo latente desde entonces, pues los cimientos construidos por el director se derrumbaron y otros tuvieron que recoger los pedazos. Cuando Matthew Vaughn, director de "First Class", decidió no involucrarse en la nueva "X-Men: Days of Future Past", Singer decidió regresar a la silla de director, lo cual representó una oportunidad de redención poco común en Hollywood. La situación no pudo ser más idónea, pues la trama de DOFP involucra tanto al reparto original como al de las precuelas, convirtiendo al film en una reunión de jóvenes y veteranos de la franquicia. Para fortuna de todos, el resultado es uno de los mejores films de los X-Men dentro de los ocho hasta ahora realizados. 

En un futuro cercano, la raza mutante está siendo exterminada por un ejército de robots llamados "Centinelas", programados para asimilar los poderes de sus prezas y destruirlos con sus propias habilidades. La guerra se sale de control y los Centinelas comienzan a atacar también a los humanos no mutantes, creando caos y destrucción reminiscentes al día del juicio final de la saga de Terminator. Un pequeño grupo de mutantes sobrevivientes, entre ellos Wolverine, Storm (Halle Berry), Iceman (Shawn Ashmore), Kitty Pryde (Ellen Page), Magneto (IanMckellen) y el Profesor X (Patrick Stewart), combaten a los Centinelas con sus últimos recursos, pero es sólo cuestión de tiempo para que sean aniquilados por las feroces máquinas.


Como último recurso, el profesor X envía a Wolverine al pasado mediante los poderes de Kitty Pryde, específicamente a 1973, con el fin de evitar la creación de los Centinelas y prevenir así la destrucción de los mutantes. Su misión es impedir que Mystique (Jennifer Lawrence) asesine al creador de los Centinelas, Bolivar Trask (Peter Dinklage), pues dicho acto provocará la aprobación del programa de Centinelas por parte del gobierno de Richard Nixon. En el pasado, Wolverine se reúne con los jóvenes Bestia (Nicholas Hoult) y Xavier, quienes viven una situación bastante distinta a cuando los vimos por última vez en "First Class". Su grupo de X-Men ha sido exterminado y Magneto se encuentra prisionero dentro del Pentágono debido a su presunta responsabilidad por el asesinato a JFK, en otra alegoría a hechos históricos recientes donde los X-Men estarían involucrados directamente (en el film anterior, la crisis de los misiles con Cuba fue el centro del acto final).  

Todo lo resumido hasta ahora cuenta sólo lo ocurrido en el primer acto del film. DOFP contiene una trama con más de una docena de personajes, lo cual más de una vez ha provocado que los films de X-Men se sientan saturados y carezcan de una historia cohesiva. En este caso, los guionistas se aseguraron de proporcionar arcos dramáticos a la mayoría de los personajes, aunque es inevitable que algunos carezcan de cierto desarrollo. Wolverine es el hilo conector entre el futuro y el pasado, pero el protagonista de la historia continúa siendo el joven profesor X, liberado temporalmente de su silla de ruedas gracias a un suero inventado por Bestia, el cual le permite caminar pero suprime sus habilidades mutantes. Cual adicto a las drogas, característico de la era hippie, Charles necesita constantes dosis del suero para mantener silentes las voces que despiertan en su mente, pero a su vez Wolverine necesita de sus poderes para encontrar a Mystique.

El foco se ubica nuevamente en las posiciones contrarias de Charles y Erik con respecto al desbalance entre humanos y mutantes y cómo afrontar la amenaza de quienes desean eliminarlos. Fassbender sigue otorgando la mejor caracterización de la nueva generación de X-Men, mostrando una ira reprimida que lo convierte en una amenaza para sus propios aliados, mientras que McAvoy deja ver una faceta más oscura del profesor X. Sorprendentemente, Bolivar Trask no resulta tan impactante como el nuevo villano del film, principalmente porque el guión no explora sus intenciones ni aporta motivos suficientes para amar u odiar al personaje, algo sin duda decepcionante al comparar el excepcional trabajo que Peter Dinklage realiza en la serie ¨Game of Thrones¨. Por otro lado, la Mystique de Jennifer Lawrence cuenta con un rol más preponderante en esta ocasión, sin duda gracias a que su estatus dentro de Hollywood ha crecido enormemente en los últimos años.  

Un personaje que ha sido motivo de cierta controveria detrás de cámaras es Quicksilver (Evan Peters), quien posee la habilidad de viajar a alta velocidad al buen estilo de Flash. Marvel comparte los derechos del personaje junto a Fox, por lo que también lo veremos en ¨Avengers: Age of Ultron¨ el próximo año. Aunque su aparición es breve, Quicksilver se roba cada minuto en escena y la secuencia del rescate de Magneto dentro del Pentágono es la más memorable del film, gracias también a un manejo muy inteligente de la perspectiva del mutante cuando viaja a alta velocidad, así como una dosis necesaria de humor. A Marvel no le será sencillo superar esta interpretación del personaje.

En lugar de dejar las secciones del futuro para el comienzo y final de la historia, pasado y futuro están editados de forma entrelazada, lo cual le otorga mayor impacto al desarrollo dramático de la trama, aún cuando los personajes en el futuro cuentan con un tiempo en pantalla mucho más limitado. Gracias a esto, Singer le otorga una despedida adecuada al reparto original a la vez que pasa la batuta a la nueva generación de X-Men, aunque es difícil imaginar que no veremos de nuevo a McKellen, Stewart o Berry en estos papeles ahora que han regresado a la palestra. Con DOFP, el director no sólo logra redirmirse por haber dejado a la franquicia a la deriva, sino que se deshace rápidamente de cualquier vestigio de continuidad con respecto a los detestados ¨The Last Stand¨ y ¨Origins: Wolverine¨. Nada como un viaje en el tiempo para hacer borrón y cuenta nueva. 

Puntuación: 4.5 de 5.

THE AMAZING SPIDER-MAN 2: Déjà vu por segunda vez

Al comprar mi boleto para ver "The Amazing Spider Man 2", la pequeña impresión en el ticket decía "Spider Man 2", una inofensiva omisión por parte de quien esté a cargo de definir lo que un boleto debe decir, que no dejó de resonar en mi mente por las siguientes horas. "Spider Man 2" es considerada una de las mejores películas de súper héroes hasta hoy y fue la cúspide de la trilogía de Sam Raimi, protagonizada por Tobey Maguire y Kirsten Dunst. Lamentablemente, el bodrio de "Spider Man 3" hizo que los estudios Sony decidieran hacer un "reboot" de la franquicia apenas cinco años después, con nuevo reparto, nuevo director y un pequeño cambio de título. "The Amazing Spider-Man" fue un éxito comercial que generó opiniones encontradas, pues para muchos no era necesario empezar de cero y volver a contar el origen de Spider-Man, pero el recibimiento fue suficientemente positivo como para garantizar el inicio de una nueva saga.

"The Amazing Spider-Man 2" intenta sacudir la percepción de estar contando la misma historia, pero sus ambiciones provocan que se derrumbe sobre su propio peso. Un nuevo villano aparece en la forma de  Max Dillon (JamieFoxx), un solitario e inseguro científico de Oscorp obsesionado con Spider-Man, quien sufre un accidente laboral donde es atacado por anguilas eléctricas y se convierte en Electro. Al mismo tiempo, Harry Osborne (Dane DeHaan), alias el Duende Verde, debuta en esta saga tras ser interpretado por James Franco en la trilogía anterior. Harry acaba de perder a su padre, Norman Osbourne (Chris Cooper), y teme sufrir su mismo destino debido a una enfermedad genética incurable. La historia abarca también el misterio alrededor de la muerte de los padres de Peter Parker (Andrew Garfield), así como el debate interno de Peter entre continuar o no su relación con Gwen Stacy (Emma Stone), pues teme que sus labores como vigilante de la justicia la coloquen en peligro. Por último, la película pretende servir de plataforma para el spin-off "The Sinister Six", por lo cual asoma a un tercer villano llamado Rhino (Paul Giamatti).

En el centro de todos estos elementos existe un arco emocional bien desarrollado entre Peter y Gwen, quienes continúan mostrando una química mucho mayor a la que jamás hubo entre Peter y Mary Jane en los films de Raimi. El Peter Parker de Andrew Garfield nos permite olvidarnos de Spider-Man cuando está en pantalla, algo inusual en un film de súper héroes que demuestra la fortaleza en su interpretación, mientras que Stone continúa aportando su inteligencia y humor para hacer de Gwen Stacy la novia que Peter jamás dejaría ir, aún conociendo el peligro al cual la expone. De igual forma, la escena más emotiva del film consiste en una conversación entre Peter y su tía May (Sally Field), quien expone su punto de vista ante la tarea de fungir como madre de Peter desde su infancia. Con escenas como esa el director Marc Webb demuestra su habilidad para relatar historias que nos permitan empatizar con los personajes antes de que comiencen las explosiones y las persecuciones, pero su impacto se diluye debido a que el guión maneja demasiados hilos narrativos que le impiden a la historia respirar antes de seguir adelante.

La representación de Electro cae en el cliché del científico que sufre un accidente y adquiere súper poderes que lo llevan a la locura, algo quizás inevitable en el género pero que en este caso se maneja con un tono caricaturesco reminiscente de los films de Batman de Joel Schumacher. Foxx realiza un trabajo decente en el rol pero la trama presenta a Electro como un antagonista de Spider-Man y luego lo saca del panorama por buena parte del film, reinsertándolo hacia el final como un secuaz y no como el villano principal. En el interín, El Duende Verde entra en acción y se convierte en la mayor amenaza para Spider-Man. Dane DeHaan fue una elección interesante para el rol, sus escenas más intensas traen memorias de un joven Leonardo DiCaprio en películas como "Basketball Diaries" y su vibra y aspecto emo cuajan con el personaje, pero en pocas escenas debemos aceptar su transformación de niño rico incomprendido a psicópata desquiciado, esto gracias a la necesidad de establecer su rol como líder de los "Seis Siniestros" en películas futuras.

En cuanto a Rhino, su presencia es breve y la interpretación de Giamatti completamente sobreactuada, algo que genera muy poco interés en el futuro del personaje dentro de la franquicia. Por otro lado, el secreto detrás de la muerte de los padres de Peter recibe un extenso tratamiento para luego ser revelado sin mayores bombos ni platillos, sin duda una decepción al ser uno de los pocos factores inexplorados que aportaba cierta novedad a esta saga. Al menos Webb tomó la sabia decisión de sacar del film a la nueva Mary Jane, cuyas escenas se filmaron pero no pasaron de la sala de edición, pues su presencia habría colaborado aún más en contra de la consistencia de la historia.

 

Ver a Spider-Man saltar entre rascacielos continúa siendo uno de los mayores placeres visuales, aún después de cinco entregas. Las escenas de acción se exceden un tanto en el uso de efectos que a veces dan la impresión de observar un videojuego en lugar de una película. El enfrentamiento entre Spider-Man y Electro en Times Square es el más vistoso y entretenido, mientras que la batalla final entre ambos dentro de una planta eléctrica también resulta satisfactoria, a pesar del cambio de rol en Electro antes mencionado. Asimismo, un giro en la historia harto conocido y esperado por los conocedores del cómic es manejado con gran fidelidad y genera un desenlace dramático poderoso, aunque el film se extiende más de lo necesario para mostrar el impacto que este hecho genera, abriendo a una vez más el terreno para secuelas y spin-offs.
 

Después de dos películas, los estudios Sony siguen sin presentar una historia que justifique el borrón y cuenta nueva de la franquicia. Webb tiene la sensibilidad necesaria detrás del lente y Garfield sigue siendo la mejor excusa para ver los films, pero la trama sigue sintiéndose como una versión de la original, con elementos nuevos y otros reciclados, mas no como una visión única del súper héroe. "The Amazing Spider-Man 2" se acerca más a "Spider-Man 3" que a "Spider-Man 2", algo preocupante para el futuro del arácnido súper héroe en la gran pantalla.

Puntuación: 3 de 5. 

Mas sobre "The Amazing Spider-Man 2":

- Por qué el film eliminó a Shailene Woodley de la trama. (LA Times)
- Entrevista a Emma Stone sobre el final del film. (Huffington Post) 

CAPTAIN AMERICA: THE WINTER SOLDIER - La guerra no tan fría

A primera vista, el Capitán América es el súper héroe mas aburrido del universo cinemático de Marvel. Su noción del bien y el mal es intachable y su condición de súper soldado lo hace invulnerable a cualquier ataque. No cuenta con el humor negro de Iron Man, las personalidades múltiples de Hulk o el perfil mitológico de Thor. Quienes le rodean suelen ser la fuente de conflicto y por ende los responsables de ponerlo a prueba, por  lo cual resulta indispensable ubicarlo en tiempos y espacios donde sus cualidades representen un contrapeso a las injusticias y los abusos de quienes pretenden oprimir al inocente.

Tras pasar varias décadas congelado, Steve Rogers (Chris Evans) busca aclimatarse al mundo actual. Bajo la tutela de Nick Fury (Samuel L. Jackson), el Capitán América se ha convertido en el agente más eficiente de la agencia SHIELD, de la misma forma que fue el soldado estrella del ejército durante la Segunda Guerra Mundial. Al inicio del film, una peligrosa misión de rescate siembra dudas en Rogers y su afiliacion con Fury, pues Natasha Romanov, alias la Viuda Negra (Scarlett Johansson) ejecuta órdenes distintas a las suyas a pesar de pertenecer al mismo equipo, lo que coloca en riesgo el éxito de la operación. Fury explica sus acciones aludiendo que los secretos son necesarios cuando no se confía en nadie, algo que va en contra de la ética del Capitan America y su noción de equipo en la línea de fuego.

Poco después, un ataque a Fury revela como ciertas sus sospechas con respecto a la existencia de entes conspirativos dentro de SHIELD. Los enemigos no tardan en revelar su rostro y rápidamente el Capitán se convierte en perseguido por su propia gente. Su principal cazador es el Soldado del Invierno (Sebastian Stan), un misterioso asesino con un brazo mecánico, cuyas apariciones en pantalla vienen siempre acompañadas de una banda sonora bastante escalofriante, cortesía del compositor Henry Jackman. El Soldado del Invierno representa la amenaza más grande que el Capitán haya enfrentado, no sólo porque lo iguala en capacidades físicas sino por el origen de su identidad, conocida por los fanáticos pero mantenida como secreto por buena parte del film.



Sin revelar mucho más, el film mantiene un tono de thriller de espías acompañado de escenas de acción filmadas en su totalidad con cámara en mano. Los directores Joe y Anthony Russo atinan con este enfoque y logran construir no sólo una segunda parte muy superior a la original, sino uno de las mejores entregas en el universo cinematográfico de Marvel, la cual además nos invita a ver el primer film bajo otra lupa. Donde aquel lucía desconectado del resto de las cintas de Marvel ahora las afecta a todas y las consecuencias de los hechos de "The Winter Soldier" serán sin duda parte importante de la trama de "The Avengers: Age of Ultron". Vale mencionar que la serie "Marvel's Agents of SHIELD" muestra actualmente las secuelas  de lo ocurrido en esta película dentro de SHIELD.

Chris Evans atinó desde un principio en su interpretación de Capitán América y en este film cuenta con material mucho más interesante que en sus dos apariciones anteriores. Su dinámica con su compañero Sam Wilson, alias Falcon (Anthony Mackie), muestra verdadera empatía y humor entre ambos. Por su parte, la Viuda Negra de Johansson mejora con cada película y pudiese tener su propio film en un futuro, mientras que el Nick Fury de Jackson sale del molde al que el personaje nos tiene acostumbrados. Evans nunca es opacado por sus co-estrellas a pesar del extenso reparto, donde también se encuentra Robert Redford, en una clara alusión a sus exitosos films de espías de hace varias décadas.

El aspecto que convierte a "Captain America:The Winter Soldier" en una pieza resaltante es su manejo de un tema bastante apto para nuestros tiempos: el cuestionamiento de la privacidad a la que los ciudadanos del mundo renunciamos, voluntariamente o sin percibirlo, al registrar cada dato de nuestras vidas de forma electrónica, lo cual podría ser utilizado en nuestra contra, como en el caso del film donde los villanos pretenden aniquilar a millones de personas que encajan en un perfil potencialmente peligroso para la sociedad debido a la información arrojada por sus hábitos e intereses personales.

Tiene sentido que Rogers, quien se saltó unos 50 años de historia moderna, cuestione una realidad a la que las nuevas generaciones se han acostumbrado y perciba sus peligros de forma más clara. Es así como el guión eleva a este film dentro de su género y no se conforma con mostrar sólo acción, de la cual también hay bastante y está muy bien realizada, en particular todo momento en que el Capitán América utiliza su escudo de las formas mas creativas. Con esta entrega, se convierte en el vengador más interesante, una proeza elogiable e inesperada que genera amplias expectivas en torno a sus historias futuras.

Puntuación: 4.75 de 5.

HER: La mujer perfectamente inalcanzable

 
Bienvenidos al futuro, donde los humanos realizan sus actividades cotidianas en constante conexión a la red, con un discreto dispositivo que funge como teléfono/ computadora y los aisla del entorno y las personas que los rodean. Esta realidad utópica y a la vez palpable es el foco de atención en la cinta con el monosílabo título "Her" (Ella) del escritor y director Spike Jonze. Situada en un tiempo inespecífico pero sin duda no muy lejano al presente, la cinta cuenta la historia de Theodore (Joaquin Phoenix), un solitario e introvertido escritor de cartas fantasma, es decir un redactor de cartas personales que se hace pasar por sus clientes, emulando los sentimientos y experiencias de éstos y valiéndose de un software que reproduce cualquier tipo de manuscrito.

Irónicamente, Theodore atraviesa una fuerte etapa de soledad tras haberse separado de su esposa Catherine (Rooney Mara), por lo que siente curiosidad hacia un nuevo sistema operativo que promete satisfacer todas las necesidades de sus usuarios. Esta versión avanzada de Siri comienza haciendo preguntas inofensivas como el género de la voz que Theodore desea, pero en pocos minutos adquiere una personalidad propia, escogiendo incluso su propio nombre. De esta forma, Samantha (con la voz de Scarlett Johansson), se convierte rápidamente en la compañera inseparable de Theodore y eventualmente ambos se declaran amor mutuo.

Samantha es perfecta para Theodore: no cuestiona sus decisiones ni juzga su comportamiento, es divertida y escucha pacientemente todas sus historias, lo arrulla antes de dormir e incluso cede a tener relaciones sexuales, a pesar de no contar con un cuerpo propio. Al mismo tiempo, Samantha comienza a descubrir su propia humanidad a través de Theodore. Su inteligencia artificial la convierte en un ser en constante evolución a pesar de su intangibilidad, con el añadido de contar con una memoria ilimitada y una capacidad de aprendizaje infinitas veces mayor a la de cualquier ser humano.



Jonze explora la soledad y el individualismo como carencias fomentadas a través de la tecnología, no para sermonearnos sino como objeto de reflexión y punto de inicio hacia discusiones más profundas. Su versión futurista de Los Angeles está llena de almas solitarias en constante contacto con sus sistemas operativos. La vecina de Theodore, Amy (Amy Adams) acaba de pasar por una decepción amorosa y mantiene una amistad cercana, mas no sentimental, con su sistema operativo de voz femenina. Curiosamente, la fijación de ambos por una voz artificial les impide considerarse mutuamente como compañeros sentimentales.

En otra secuencia, Theodore decide salir ¨en pareja¨con su compañero de trabajo Paul (Chris Pratt) y su novia, quienes conversan con Samantha como si se tratase de una novia omnipresente. Situaciones tan inverosímiles tienen cabida en este mundo de hipsters con peinados desgreñados y pantalones por encima del ombligo gracias a lo evidente que resulta esta realidad. Theodore y Samantha comparten una química memorable, aún y cuando ella nunca aparece en pantalla, lo que demuestra no sólo la versatilidad de Phoenix y las virtudes histriónicas de Johansson, sino la capacidad excepcional de Jonze para construir personajes atormentados por sus inseguridades y permitir que la audiencia conecte con ellos en distintos niveles.

"Her" contrapone la emotividad humana con el pragmatismo de la máquina, idea que no es nueva para el cine de ciencia ficción, pero que en lugar de llegar a extremos apocalípticos asoma más bien la posibilidad de que las máquinas simplemente descarten al hombre como un ser esencialmente limitado. La idea nos permite evaluar con humildad nuestra condición humana, a la vez que revela la importancia de las relaciones interpersonales y cómo éstas no pueden ser substituidas por voces complacientes que nos invitan a evadir la realidad o a vivir en micro mundos egocéntricos. Samantha bien pudiera ser alguien de carne y hueso del otro lado del auricular y su dinámica con Theodore no sería tan disímil.

Puntuación: 4.75 de 5.

Mas sobre "Her":
- Him and Her: How Spike Jonze Made the Weirdest, Most Timely Romance of the Year. (Vulture.com)

DALLAS BUYERS CLUB: La redención acompaña a la supervicencia

En los años 80, el virus del VIH sorprendió a una sociedad norteamericana que apenas se acostumbraba a la revolución sexual desatada en los años 60, pero que distaba mucho de ver a la homosexualidad como un elemento aceptable o reconocible. El virus consiguió en los homosexuales un modo de transporte mucho más rápido de lo que la ciencia o los gobiernos pudieron predecir, pero rápidamente se extendió más allá de una sola preferencia sexual. Fue así como Ron Woodroof, un promiscuo vaquero de Dallas, Texas, contrajo el VIH a pesar de no ser homosexual. Cuando le fue detectado el virus en 1985, los médicos le dieron 30 días de vida. Woodrof vivió 7 años.

"Dallas Buyers Club" cuenta la historia de la enfermedad de Woodrof (Matthew McConaughey), no con el fin de mostrar el final de la vida de un hombre sino el renacer de quien dio sentido a su vida cuando supo que su muerte se acercaba. Esta redención no ocurrió de forma superflua ni planificada, sino producto de su instinto de supervivencia, que lo llevó moribundo a buscar medicamentos en México cuando le fueron negados por sus médicos tratantes. Su habilidad para los negocios le permitió sacar provecho de la injusta situación a la que se exponían los pacientes con VIH, por lo que creó un club por membresía, donde los pacientes tendrían acceso a un número ilimitado de medicamentos importados ilegalmente, por la módica suma de $400 al mes.

Por más de dos décadas, tener VIH fue una sentencia de muerte, pero las primeras generaciones de infectados fungieron además como conejillos de indias en la implementación de drogas que deterioraban la calidad de vida de los pacientes y no proporcionaban mejoras significativas. El AZT es la droga que Woodrof persigue inicialmente tras ser rechazado por el Dr. Sevard (Denis O'Hare), su despectivo médico tratante interesado más en complacer a un laboratorio que en el bienestar de sus pacientes. Al mismo tiempo, la Dra. Eve (Jennifer Garner) entabla una relación mas empática con Woodrof, aún cuando sabe que su club evita que muchos pacientes vayan al hospital. En poco tiempo, el club de desahuciados se convierte en consultorio médico, con Woodrof a la cabeza como el médico de facto.



Durante una de sus visitas al hospital, Woodrof se topa con Rayon (Jared Leto), un transexual también infectado con VIH que se convierte en su socio. La aversión que Woodrof sintiese inicialmente hacia los gays se diluye progresivamente gracias a la nobleza de Rayon, algo inusual cuando muchos los culpaban por la existencia del SIDA. Pocos actores tienen el tino requerido para interpretar un papel de este tipo, pero la fisionomía de Leto combinada con su sensibilidad convierte a Rayon en un personaje memorable.

El guión de Craig Borten y Melisa Wallack, basado en un artículo de prensa sobre Woodrof de 1995, explora el desasosiego que sufrieron los pacientes de SIDA cuando casi nada se sabía sobre la enfermedad. En el caso de Woodrof, el sentido de pérdida alrededor de su enfermedad le impide imaginar una vida normal. Puede cortejar a alguien como Eve, pero el sentimiento nunca será recíproco. En el caso de Rayon, el desprecio de su padre lo lleva a refugiarse en el club y su amistad con Woodrof, lo más cercano a una familia que puede conseguir. La trama no se vuelve sentimentalista pero sí toca estos puntos para humanizar a quienes suelen ser vistos por muchos como cadáveres ambulantes o, en casos extremos, como degenerados que no merecen simpatía o apoyo.

McConaughey termina de sacudirse su imagen de actor de comedias románticas con su mejor interpretación hasta ahora, luego de que su carrera diera un giro significativo en películas como "The Lincoln Lawyer", "Magic Mike", "Mud" y la serie "True Detective". Woodrof es homofóbico, egoísta, terco, mujeriego, adicto a las drogas y alcohólico, pero McConaughey y el director Jean-Marc Vallée encuentran el balance adecuado para conectar con Woodrof y encontrar la nobleza de su conducta. Su liderazgo y creatividad lo llevaron a abogar por quienes sufrían como él, aún cuando debían pagar una membresía por este privilegio. Sus acciones dignificaron a muchos que no conseguían a dónde más acudir y sus ganas de vivir prolongaron y mejoraron las vidas de muchos otros. En algunos casos, una actitud egoísta puede conllevar a actos de generosidad.

Puntuación: 4.5 de 5.

Más sobre "Dallas Buyers Club":
- Cómo la película consiguió una nominación al Oscar al Mejor Maquillaje con $250 de presupuesto. (Vanity Fair)
- El verdadero legado del Dallas Buyers Club. (The Guardian)

MIS PREDICCIONES AL OSCAR 2014

En la 86 ceremonia de los premios Oscar, "Gravity" se perfila como la gran ganadora, al menos en número de estatuillas, aunque no tiene asegurado el triunfo como Mejor Película. Aquí mis predicciones:

Mejor Película: Gravity.
La competencia es ardua entre Gravity, 12 Years a Slave y American Hustle, pero pienso que la obra de Alfonso Cuarón saldrá vencedora, principalmente porque triunfará en la mayoría de las categorías en las que participa. Sin embargo, 12 Years a Slave ha ganado premios como los SAG, BAFTA y Golden Globes y puede ser la apuesta segura.

Mejor Director: Alfonso Cuarón, Gravity.
Cuarón ha arrasado en todo premio habido y esta será su merecida coronación por su metódico y revolucionario esfuerzo para ubicarnos en el espacio al lado de Sandra Bullock.

Mejor Actriz: Cate Blanchett, Blue Jasmine.
Otra sin competencia es Blanchett en su rol de ex esposa y ex millonaria. La controversia alrededor de Woody Allen y las alegaciones de abuso sexual a una de sus hijas no afectará las oportunidades de Blanchett, cuya competencia más cercana está en Amy Adams por American Hustle, pero con muy pocas posibilidades.

Mejor Actor: Leonardo DiCaprio, The Wolf of Wall Street
Sin duda Matthew Mcounaghey es el favorito por su trabajo en Dallas Buyers Club, pero los Oscar suelen sorprendernos en alguna categoría y esta puede ser donde suceda. DiCaprio tiene varias nominaciones en su haber sin ningún triunfo y su lobo de Wall Street es uno de sus mejores papeles en mucho tiempo. También es posible que los votos entre McCounaughey y Dicaprio se dividan y den paso a Bruce Dern por su actuación en Nebraska.

Mejor Actor Secundario: Jared Leto, Dallas Buyers Club
Leto es indetenible en su camino al Oscar por su interpretación de transexual en Dallas Buyers Club y el Oscar no será la excepción.

Mejor Actriz Secundaria: Lupita Nyong´o, 12 Years a Slave
La carrera más apretada de la noche será entre Jennifer Lawrence y Lupita Nyong´o. Lawrence tiene la desventaja de haber ganado el año pasado por Silver Linings Playbook y es poco común que el Oscar repita en años consecutivos, por lo que Nyong´o lleva la delantera por su conmovedora y poderosa interpretación como esclava en 12 Years a Slave.

Mejor Guión Original: Her.
El original film de Spike Jonze tiene muy pocas posibilidades de triunfar en cualquier otra categoría, pero la academia lo reconocerá por su guión. Her toca fibras existencialistas que resuenan con el estilo de vida hipster del medio artístico, lo que será suficiente para que salga triunfadora.

Mejor Guión Adaptado: 12 Years a Slave
Si 12 Years a Slave se convierte en la mejor película del año, necesita ganar en otra categoría importante y la mejor manera de lograrlo es mediante su guión adaptado. Es la película importante de la temporada de premios y por esta vía su reconocimiento será reiterado.

Mejor Película Animada: Frozen
El film de de Disney continuará su buena racha de crítica y taquilla con el primer Oscar en esta categoría (creada en 2001) para Walt Disney Animation Studios. Es posible que premien a Hayao Miyazaki por su último film The Wind Rises, pero Frozen luce imbatible.

Mejor Película Extranjera: La Grande Bellezza
Italia será el país ganador este año, tras haber triunfado en los Golden Globes, los BAFTA y los European Film Awards.

Mejor Edición: Gravity
Gravity mantiene la ilusión de que todo sucede en secuencia, cuando los incontables efectos visuales son enlazados por una impecable edición. La edición es el gran efecto visual del film y la hará merecedora del premio.

Mejores Efectos Visuales: Gravity
Gravity genera una experiencia sensorial alcanzada por impresionantes efectos visuales. Son la tarjeta de presentación de una gran película y la mejor razón para ver un film en 3D desde Avatar.

Mejor Edición de Sonido: Gravity
En el espacio no hay sonido, por lo que todo lo que oímos en el film es a través de los oídos del personaje de Sandra Bullock. Este innovador acercamiento le dará el Oscar a Gravity en esta categoría.

Mejor Mezcla de Sonido: Gravity
La mezcla entre el audio subjetivo de su protagonista y una poderosa banda sonora acompañará al premio de edición de sonido con otra estatuilla.

Mejor Banda Sonora: Gravity
Como parte de la experiencia sensorial que es Gravity, su música también será premiada. Philomena es la única que podría robarle esta estatuilla al film de Alfonso Cuarón.

Mejor Canción: Let It Go, Frozen.
Ordinary Love de U2 podría repetir su triunfo en los Golden Globes, pero Mandela: Long Walk to Freedom pasó por debajo de la mesa en todos los premios. Por el contrario, Frozen acompañará su triunfo como película animada con este premio.

Mejor Cinematografía: Gravity.
La cinematografía de Gravity es la cereza del pastel y al mismo tiempo es donde comienza la magia del film. Sólo la simplista cinematografía en blanco y negro de Nebraska podría robarse este premio.

Mejor Maquillaje: Dallas Buyers Club.
Entre la delgadez de Matthew Macounaghey y el travestismo de Jared Leto, esta parece la opción segura. Sobre todo ante films de dudosa reputación como Bad Grandpa y The Lone Ranger en esta categoría.

Mejor Diseño de Producción: 12 Years a Slave
12 Years a Slave es el film épico que los Oscar suelen premiar en esta categoría, aunque The Great Gatsby tiene todos los excesos a los que Baz Luhrmann nos tiene acostumbrados y puede convertirse en la ganadora, pero el film no obtuvo reconocimiento en categorías más importantes, por lo que la delantera la lleva el film de Steve McQueen.

Mejor Vestuario: The Great Gatsby
Es aquí donde Gatsby resalta más que en cualquier otra categoría y le dará un premio de consolación a un film que se quedó corto en muchos otros aspectos, aunque American Hustle puede triunfar por su setentoso vestuario.

No doy mis opiniones en las categorías de Mejor Documental, Mejor Corto Documental, Mejor Cortometraje y Mejor Cortometraje Animado por haber visto a muy pocas de las nominadas.