DISCONNECT: INTERNET COMO ARMA DE DOBLE FILO

Uno de los males más característicos en las sociedades de la segunda mitad del siglo XX es la paranoia. Gobiernos opresores o maliciosas corporaciones están siempre al acecho de todos los ciudadanos decentes para mantenerlos en cintura, aunque éstos no lo sepan. El gran hermano, pues, todo lo ve con fines presuntamente oscuros, porque no pueden tener otro tono. Internet, por su parte, ha democratizado esta paranoia. En el siglo XXI, las redes sociales se han convertido en una puerta para exponer todo sobre nuestras vidas frente a todo el que se considere nuestro "amigo" e incluso a la vista de completos desconocidos.

Esta visión por demás fatalista es la inspiración de Disconnect, película que quiere mostrarnos los peligros a los que nos exponemos cada vez que publicamos algo en Facebook, chateamos con un extraño o navegamos por sitios de dudosa moralidad. Henry Alex Rubin, director nominado al Oscar por el documental Murderball, salta al formato de ficción para contar tres historias inspiradas en situaciones verdaderas que se relacionan con el (mal) uso del Internet.

En uno de los relatos, una pareja treintañera (interpretada por Paula Patton y Alexander Skarsgård) intenta superar el reciente fallecimiento de su hijo, lo que lleva a la esposa, movida por el desasosiego, a entablar una relación amistosa con un desconocido via internet. Eventualmente éste obtiene toda la información necesaria sobre la pareja para cometer un fraude y vaciar sus cuentas bancarias. Por otro lado, un adolescente introvertido (Jonah Bobo) sufre una broma pesada cuando dos de sus compañeros de clase crean un perfil falso de Facebook y se hacen pasar por una chica que dice estar enamorada de él. La última historia muestra a una periodista (Andrea Riseborough) que busca destapar una red de pornografía de menores por internet a través de un joven que se gana la vida desnudándose frente a una webcam.

Aunque las historias se entrelazan mediante algunos personajes, el leitmotiv de Disconnect es la desconexión que experminentan al estar inmersos en sus computadoras y celulares a todo momento. El padre del adolescente acosado (Jason Bateman) es ciego a los abusos que éste sufre; los esposos estafados son cada vez más distantes entre sí en lugar de compartir su dolor; la periodista no piensa en las repercusiones que el joven puede sufrir al ser expuesto a los medios como un trabajador sexual.

 

Cuando la broma pesada se convierte en tragedia, el film alcanza su punto dramático más poderoso. Lamentablemente, lo que sucede después nos hace sospechar que el director y el guionista no conocen bien cómo funciona una red social como Facebook. A pesar de lo fácil que es identificar la diferencia entre un perfil auténtico y uno falso para cualquiera que utilice Facebook con relativa frecuencia, los personajes permanecen ciegos a este hecho por demasiado tiempo.

Inicialmente, las tres premisas resultan interesantes gracias a la facilidad con la que cualquier internauta puede identificarse con los conflictos que sufren los personajes, pero la película pierde coherencia a medida que la trama avanza. Patton y Skarsgård mantienen una dinámica interesante hasta que su historia se extiende a un punto inverosímil que le resta fuerza al drama que viven. Riseborough es convincente en su interpretación de periodista ambiciosa (porque así son todos los periodistas en el cine), aunque la pornografía de menores es un tema que no termina de encajar junto a las otras dos historias.

En general, Disconnect es un film entretenido que sataniza el uso del internet y las redes sociales con demasiada rigidez y algo de ignorancia. Las ideas que plantea son ciertamente interesantes y adecuadas para las audiencias de hoy pero, en aras de hacer un film comercial, son llevadas a extremos dramáticos que le restan autenticidad. La paranoia en este caso es explotada para manipular, pero no logra convencer.

Puntuación: 2.5 de 5.

Mas sobre Disconnect:
- Jason Bateman habla sobre cyber-bullying.
- Entrevista al director Henry Alex Rubin.

NO, CRÓNICA DE UNA ELECCIÓN INGANABLE

La dictadura de Augusto Pinochet, que comenzara en Chile en 1973, tuvo un sorpresivo final cuando en 1988 la presión internacional obligó a su gobierno a realizar un plebiscito donde se le consultaría al pueblo si deseaba su continuidad como gobernante de la nación. Llegar hasta allí, sin embargo, costó las vidas de miles de ciudadanos que durante años se opusieron a su régimen de derecha extrema. La película No, de Pablo Larraín, se enfoca en los meses previos al plebiscito desde un ángulo distinto: la campaña electoral a favor de la opción del No, herramienta clave para el éxito de la oposición en dicho proceso.

René Saavedra, interpretado por Gael García Bernal con acento chileno, es un antiguo exilado político que vuelve a Chile a trabajar como creativo publicitario. Cuando se aprueba la realización del plesbiscito, René es invitado a participar en la campaña por el No, algo que no le agrada a Lucho (Alfredo Castro) su jefe pinochetista que a su vez está involucrado en la campaña por el Sí. Las condiciones de la campaña publicitaria determinaban que cada opción tendría 15 minutos de propaganda en los canales de televisión durante cada noche, por lo que el equipo debía idear y producir contenido para llenar dicho espacio, a pesar de contar con muy bajas probabilidades de éxito.

Promover el concepto de democracia como un producto para el pueblo chileno provoca en un principio el rechazo de los propios partidarios de la izquierda, quienes consideran que la oposición debe aprovechar esos 15 minutos diarios para denunciar los abusos de la dictadura y no para mostrar gente sonriendo, celebrando y divirtiéndose.



Es aquí donde Larraín aprovecha la estética del film, grabado en formato U-matic 3:4, reminiscente a la calidad visual de la televisión en esa década. Buena parte de la historia se enfoca en los tras cámaras de Saavedra y su equipo grabando los anuncios, con el componente adicional de que muchos de los actores son los originales. De igual forma, figuras prominetes que participaron en la campaña participan en la película, aún cuando su edad no corresponde al tiempo en el que la historia se desarrolla. Editar el material grabado por Larraín con el de las cuñas y programas que salieron al aire en ese momento es un recurso utilizado de forma muy inteligente y creativa que le da un sentido de inmediatez y actualidad a la película.

La trama procura abordar todos los puntos de vista posibles, desde el ciudadano común que apoya al gobierno de Pinochet por los beneficios que le proporciona hasta el de los izquierdistas que han perdido todo por su posicion adversa al gobierno. El personaje principal se ubica en terreno un tanto neutral en un principio, enfocado en su trabajo y desentendido del tema político tras habérsele permitido regresar a Chile. Saavedra es quizás el reflejo más fiel del chileno de clase media del momento, viviendo una vida relativamente cómoda pero a costa de hacerse la vista gorda ante los atropellos y abusos oficiales hacia todo el que piense diferente.

La influencia de la cultura pop en la campaña que ayudó a derrocar una dictadura muestra de forma clara que Chile estaba listo para nuevos tiempos, algo que el propio Pinochet tuvo que aceptar. Es poco común que los pueblos acaben con gobiernos opresores, estos usualmente se caen solos, pero gracias a la confianza de unos pocos en abordar la campaña desde una perspectiva progresista, un pueblo resignado despertó para nunca más mirar hacia atrás.

Puntuación: 5 de 5.

Más sobre NO:
- Entrevista a Pablo Larraín durante el Festival de Cine de Nueva York.

OZ: THE GREAT AND POWERFUL - ERA MEJOR QUEDARSE EN KANSAS

El Mago de Oz es parte de un selecto grupo de películas que ha logrado mantenerse vigente para el público general a pesar de tener más de 70 años de antigüedad. La gran mayoría de los filmes infantiles de hoy hace referencia de una forma u otra a la historia del viaje fantástico de Dorothy a la tierra mágica de Oz. En una industria llena de refritos, secuelas y precuelas, sorprende que durante décadas Hollywood no hubiese producido otras versiones de esta popular historia, hasta que en 1985 Disney decidió revivir esta propiedad con Return to Oz, un fracaso de taquilla que sin embargo ha alcanzado cierto status de film de culto. Más de dos décadas después, Disney nos trae Oz: The Great and Powerful.

Manteniendo el estilo de la película original, esta precuela comienza en Kansas, en blanco y negro (no en sepia) y en aspecto visual de 4 por 3. La historia gira en torno a Oscar (James Franco), un mago de segunda categoría que se convertirá eventualmente en el conocido Mago de Oz. Un tornado, como el que un día arrastrará a Dorothy, lleva a Oscar en un globo de aire hasta el mundo de Oz donde una profecía augura la llegada de aquel que salvará al reino de una malvada bruja. Una vez en Oz, la película adopta el esperado formato en color, alta definición y tres dimensiones, aunque casi todo lo que sigue se siente bastante unidimensional.

Oscar conoce a Theodora (Mila Kunis), quien rápidamente se enamora de él creyendo que es un poderoso mago. Enseguida lo lleva a conocer a su hermana y reina de Oz, Evanora (Rachel Weisz). Percatándonse de que Oscar es probablemente un fraude, Evanora le encarga la misión de destruir a Glinda (Michelle Williams), la supuesta malvada bruja, para demostrar sus poderes. Tal y como muestran los trailers, las intenciones de Evanora son oscuras, por lo que poco después Oscar unirá fuerzas con Glinda para librar a Oz de su tiranía.


James Franco no encaja en el papel principal. El Mago de Oz original era un viejo bonachón de poca malicia, mientras que el Oscar de esta versión es un estafador mujeriego que maltrata y explota a quienes lo aprecian. El tino humorístico de Franco tampoco ayuda y muchos de sus momentos graciosos no despiertan mayores emociones. Rachel Weisz y Michelle Williams, dos actrices de indudable talento, hacen lo que pueden con un guión bastante limitado y mantienen a flote a la película en sus momentos más débiles. Quien queda peor parada entre todo el reparto es Mila Kunis, incapaz de interpretar un personaje creíble aún y cuando Theodora juega un papel esencial para enlazar a este film con el original. 

Sam Raimi, director de la trilogía de Spider-Man, muestra un mundo de Oz que muy poco hace referencia a los escenarios del film original. Más allá de mostrar a la icónica Ciudad Esmeralda y el famoso Camino Amarillo, el exceso de efectos especiales poco distinguen a este mundo del de Alice in Wonderland, otra producción de Disney dirigida por Tim Burton. En ocasiones es muy evidente que los actores están en un set de pantallas azules y que todo lo que sucede a su alrededor es construído a través de efectos visuales, lo cual sería aceptable si las interpretaciones fuesen memorables y la trama envolvente. El único resultado destacable de este exceso de efectos es la frágil muñeca de porcelana China Girl (Joey King), un personaje reminiscente de los populares Hombre de Hojalata y Espantapájaro.

En el último acto la historia toma un necesitado respiro gracias a una confrontación final bastante creativa. Es aquí donde Oz sale del letargo con el que arrastra a sus personajes y a la audiencia para concluir con algo de decencia, aunque la necesidad imperante de dejar la puerta abierta para una segunda parte no le permite tener un verdadero cierre a esta primera entrega. La película funciona además como la historia de origen de la Malvada Bruja del Oeste, pero mientras menos se hable al respecto, mejor se preservará la memoria de este inolvidable personaje.

Puntuación: 2 de 5.

Más sobre Oz: The Great and Powerful:

- VFX Supervisor Scott Stokdyk Reveals the Secrets of 'Oz the Great and Powerful

- Entrevista a Sam Raimi por Slashfilm.com

LIFE OF PI: LA OBRA INADAPTABLE

Si algo se puede decir de Ang Lee es que su trabajo cinematográfico no está limitado a un sólo género. Su drama de época Sense & Sensibility poco se parece a la gran cinta de artes marciales Crouching Tiger, Hidden Dragon, asi como la controversial Brokeback Mountain poco tiene que ver con su versión del super héroe Hulk. Su más reciente film, Life of Pi, es en muchos aspectos producto de un artista que tras más de una docena de películas ha perfeccionado su capacidad para contar historias dramáticas de gran fuerza y al mismo tiempo producir obras visualmente inolvidables.

La obra literaria Life of Pi era hasta hace poco considerada por muchos como un libro inadaptable al formato de cine, no sólo por los retos técnicos que requeriría sino por el trasfondo espiritual que colma el centro de la historia, prometiendo en un momento determinado que uno de los personajes creerá en la existencia de Dios luego de escuchar el relato del naufragio de un joven llamado Pi (Suraj Sharma) junto a un tigre de bengala llamado Richard Parker.

Antes de llegar a momento, Pi sufre una crisis de identidad hacia su religión hindú, lo que lo lleva a acercarse al cristianismo y al islamismo, a pesar del descontento de su familia. La travesía que lo separa de todos sus seres queridos y lo deja sólo en el mar junto a una bestia salvaje pondrá a prueba su necesidad de creer en algo más grande y le permitirá encontrar una respuesta a sus cuestionamientos en la criatura menos esperada. La interacción entre Pi y Richard Parker evoluciona de una dinámica hombre - bestia a la de un par de seres vivos que no necesitan hablar para entenderse y comparten una profunda necesidad de sobrevivir.



Lee interpreta de manera magistral el misticismo de la obra. Cada secuencia es un ataque a los sentidos, desde el naufragio inicial donde todo un zoológico intenta sobrevivir hasta los encuentros cercanos entre Richard Parker y Pi. Los efectos visuales y el uso del 3D dominan el escenario, pero al servicio de la historia y no a expensas de esta. Un encuentro con una enorme ballena, la estampida de peces voladores, una isla carnívora repleta de suricatas o un simple atardecer donde el oceano y el cielo se confunden como uno sólo, son algunos de las secuencias narradas en esta travesía. El oceano y sus criaturas son el lienzo donde Lee se mueve a gusto y despliega sus recursos técnicos y creativos, orquestándolos a la perfección.

La interpretación de Suraj Sharma es el otro elemento memorable de la película. Es muy común que una producción de esta complejidad deje las actuaciones en un segundo plano, pero una hábil y emotiva dirección actorial acompañada de una actuación de primera elevan al personaje principal a la par de la majestuosidad que lo rodea. Pi es prácticamente el único humano en el centro de todo el despliegue visual y sonoro, pero el director acertó al escoger a un actor amateur para el rol protagónico.

El desenlace del film se extiende sin necesidad con un giro que provocará distintas interpretaciones y, para algunos, cierta frustación. Afortunadamente, en este punto de la aventura ya se han atado casi todos los hilos de la historia y el daño es relativamente menor. Life of Pi es un logro cinematográfico de un director en completo dominio de su trabajo.

Puntuacion: 4.5 de 5.

Mas sobre Life of Pi:

- Life of Pi: Comparing Ang Lee's Film With Yann Martel's Novel (Contiene spoilers)

 

MIS PREDICCIONES AL OSCAR 2013

2012 será recordado como uno de los años más competitivos en cuanto a premios cinematográficos se refiere. Los últimos tres meses del año trajeron consigo estrenos de primera que hoy suman múltiples nominaciones y galardones, mientras que a su vez alcanzaron el apoyo de la crítica y la asistencia masiva del público. Es poco común que todos estos elementos se unan alrededor de tantas películas, pero así lo han hecho Argo, Silver Linings Playbook, Lincoln, Les Misérables, Zero Dark Thirty, Django Unchained, Skyfall, Beasts of the Southern Wild y Life of Pi. Pero en la noche del 24 de febrero, sólo habrá un ganador por categoría. Aquí mis predicciones:

Mejor Película: Argo
Tras la exclusión de Ben Affleck como mejor director, pareciera que todo Hollywood se puso de acuerdo en enmendar esta omisión, ya que Argo ha resultado victoriosa en prácticamente todos los premios importantes de la temporada. Los méritos los tiene, siendo un thriller documental muy bien armado y con una ejecución impecable. Lincoln o Silver Linings Playbook podrían dar una sorpresa por ser también de gran agrado para el público, pero el camino parece estar ya preparado para que Argo sea la primera película desde 1989 en recibir el galardón mayor sin que su director esté nominado.

Mejor Director: Steven Spielberg, Lincoln
La omisión de Affleck deja el camino abierto para que Spielberg o Ang Lee (Life of Pi) sean premiados por sus esfuerzos. Spielberg lleva la delantera por haber ensamblado un tema histórico como es la abolición de la esclavitud, humanizando a la vez al presidente norteamericano más icónico. La narración un tanto tradicional de la película es lo que podría arrebatarle el premio. Lee, sin embargo, no se queda atrás con la hazaña tecnológica y emotiva que resultó ser su ¨aventura extraordinaria¨. Ya que Pi no tiene nominaciones de actuación, esta podría ser la recompensa por parte de la academia, pero Spielberg no gana desde 1998 y Lincoln le debe dar su tercer Oscar.

Mejor Actor: Daniel Day-Lewis, Lincoln
La tercera será también la vencida para Day-Lewis, quien ya ha sido premiado dos veces en esta categoría. Su interpretación de Abraham Lincoln reafirma que es uno de los mejores actores de estos tiempos y simplemente no tiene competencia. No me molestaría que Hugh Jackman o Bradley Cooper ganaran, pero son primerizos en los Oscar y es poco probable que alcancen suficientes votos. Joaquin Phoenix tiene seguidores por The Master, pero la película no logró calar entre la crítica y mucho menos el público. Denzel Washington no ha generado mayor apoyo por Flight a pesar de su excelente representación de un piloto alcohólico.

Mejor Actriz: Emmanuelle Riva, Amour
Esta es quizás la categoría más reñida. Jennifer Lawrence y Jessica Chastain han ganado en distintas premiaciones y ambas son merecedoras del galardón, pero Emmanuelle Riva es la actriz más anciana en ser nominada y a la vez es primeriza en los Oscar a pesar de ser una reconocida actriz en Francia. A la academia le gusta dar sorpresas y esta puede ser la categoría en que lo haga. Naomi Watts no deja de recibir elogios por The Impossible pero esto no se ha traducido en premiaciones. Quvenzhané Wallis, la actriz más joven en ser nominada, ya tiene suficientes razones para celebrar.

Mejor Actor Secundario: Tommy Lee Jones, Lincoln
Esta es la otra categoría donde cualquier cosa puede suceder y la única donde todos los nominados han ganado previamente. Christoph Waltz ganó por una interpretación muy similar en Inglorius Basterds hace un par de años, además de que su papel es más protagónico que secundario, pero no debe ser descartado. Hoffman es lo mejor de The Master, pero el apoyo del film es reducido. Arkin es el lado cómico de Argo y representa de forma irónica una faceta decadente de Hollywood. DeNiro resurgió de entre las sombras de años de películas mediocres con Silver Linings Playbook y es posible que esa única razón lo lleve a recibir su tercer Oscar, pero Tommy Lee Jones es la otra gran razón para ver Lincoln, y sólo su fama de viejo amargado puede empañar sus oportunidades.

Mejor Actriz Secundaria: Anne Hathaway, Les Misérables.
Esta estatuilla ya tiene el nombre de Hathaway inscrito, es lo mejor de Les Misérables y ninguna otra nominada tiene oportunidad de arrebatarle el premio. Sally Field, Helen Hunt, Jacki Weaver y Amy Adams van de paseo a los Oscar.

Mejor Guión Original: Zero Dark Thirty
La controversia alrededor de las torturas mostradas en Zero Dark Thirty han impactado negativamente sus oportunidades de ganar como mejor película, pero sin duda el guión se atreve a mostrar más de lo que al gobierno norteamericano le interesa y por esta razón debe ganar en este renglón. Quizás Tarantino reciba el único premio para Django, pero este definitivamente no es su mejor guión. Amour podría sorprender y ganar este premio pero la temática depresiva de la película afecta sus oportunidades.

Mejor Guión Adaptado: Argo
Es poco probable que Argo gane mejor película sin llevarse otro premio importante, por lo que su guión también será premiado. El libro de Life of Pi, definido por muchos como inadaptable, se convirtió en una película memorable gracias a Ang Lee, pero esta película será reconocida en otras áreas. Lincoln también puede triunfar en esta categoría gracias a un guión denso en diálogos y en personajes, pero Silver Linings Playbook es otra que puede ganar, ya que el guión es la base de las excelentes actuaciones de todo su reparto nominado.

Mejor Película Animada: Wreck It-Ralph
Lo más triste sería que Brave gane en esta categoría, pero también es bastante probable. Es el film más débil de Pixar pero su pedigrí solamente le puede dar el premio. Frankenweenie le daría a Tim Burton el Oscar que nunca ha ganado, pero el film más original de todo el grupo es Wreck It-Ralph, aunque su temática de video juegos quizás auyente, injustamente, a algunos votantes. Pirates y Paranorman no tienen oportunidad en este renglón.


Otras categorías:

Mejor Película Extranjera: Amour
Su nominación a mejor película le garantiza a Amour el triunfo en este renglón.

Mejores Efectos Visuales: Life of Pi
El Oscar suele premiar a los films más innovadores con esta categoría y Life of Pi sin duda es la más innovadora de este grupo.

Mejor Cinematografía: Life of Pi
El combo de efectos visuales y fotografía será para Pi, aunque Skyfall podría darle el primer oscar en este renglón a James Bond.

Mejor Edición: Zero Dark Thirty
La polémica que se ha creado alrededor del film la excluirá de la mayoría de los premios, pero sería un crimen no premiarla en este renglón. Argo podría ser la otra ganadora.

Mejor Mezcla de Sonido: Les Misérables
La innovación de grabar en set a los actores cantando debe ser razón suficiente para este premio, pero Skyfall también tiene oportunidades.

Mejor Edición de Sonido: Skyfall
Este premio suele ir a películas de acción, así que Skyfall triunfará, pero Life of Pi puede arrasar en lo técnico y robarle este premio.

Mejor Maquillaje: Les Misérables
El maquillaje de El Hobbit ya ha sido premiado antes con El Señor de los Anillos, mientras que el de Hitchcock tiene muchos detractores. Les Misérables no hace nada excepcional pero logra que todos sus actores se vean más feos de lo que son.

Mejor Vestuario: Lincoln
Todas las películas de época con Keira Knightley parecen ganar de forma automática este premio, por lo que Anna Karenina puede ganar, pero Lincoln recibirá algunas estatuillas artísticas y esta será una.

Mejor Diseño de Producción: Life of Pi
Life of Pi debe llevarse este premio como lo hizo Avatar hace unos años, demostrando que la dirección de arte digital también puede ser reconocida. Lincoln puede ser la opción tradicional de este grupo.

Mejor Musicalización: Life of Pi
No es una categoría particularmente memorable pero en el afán de reconocer la innovación de Life of Pi, debe llevarse el premio. Quizás Skyfall comparta su premio a la mejor canción con esta estatuilla.

Mejor Canción: Skyfall
Adele ha arrasado en esta categoría y parece ser la única opción que alguien recuerda dentro de las nominadas.

Quisiera poder opinar en las categorías de Mejor Documental, Cortometraje de Ficción, Cortometraje Animado y Cortometraje Documental, pero no he visto casi ninguno de los nominados.

¡Que ganen los mejores!

LES MISÉRABLES: NATURALEZA ÉPICA

Les Misérables, de Tom Hooper, nos dice desde su primera toma que es un film épico. Una toma aerea contínua desciende de entre las nubes y revela un enorme barco arrastrado por un grupo de esclavos con talento musical y termina en el rostro de Jean Valjean (Hugh Jackman), un hombre esclavizado hace 19 años por robar un pedazo de pan para alimentar a su hermana enferma. Hasta que ruedan los créditos, casi tres horas después, lo épico sorprende, conmueve, aburre en momentos, deleita en otros.

Jean Valjean es eventualmente liberado y se convierte en hombre de bien, pero para lograrlo debe borrar su pasado de esclavo y asumir una nueva identidad, lo cual lo convierte nuevamente en criminal. Javert (Russell Crowe), un hombre de ley obsesionado con lo ¨justo¨, asume la misión personal de encontrar a Jean Valjean, y años después sus caminos se cruzan nuevamente. El encuentro evita que Jean Valjean proteja a una de sus empleadas, Fantine (Anne Hathaway), de ser despedida de su trabajo, lo que la obliga a sucumbir en la prostitución para mantener el sustento a distancia de su hija, Cosette (Isabelle Allen).

Manteniendo la epicidad de la trama, tras sólo un cuarto de película y con más de media docena de personajes aún sin introducir, Les Misérables alcanza su pico emocional. En su interpretación de la canción ¨I Dreamed a Dream¨, Hathaway se plasma en pantalla mediante un close-up sin cortes emocionalmente desgarrador y sin duda le moverá el piso hasta a los más cínicos. Al ver esta secuencia es posible imaginar a Hooper en la sala de edición, echando a la basura todas las tomas adicionales que usualmente cubren una escena. La actuación de Hathaway no requiere de nada más.


Una vez que Fantine sale de escena, la película vuelve a los hombros de Jackman, quien demuestra un tino dramático nunca visto en su carrera cinematográfica. Este actor de teatro un tanto atado a su papel de Wolverine se halla como pez en el agua en un papel demandante y desgastante. Jean Valjean adopta a Cosette para redimir su culpa por el destino de Fantine y la historia avanza unos 10 años. Jean Valjean y Cosette (ahora Amanda Seyfried), continúan huyendo de Javert mientras que aires de una nueva revolución alborotan las calles de París.

Nuevos personajes son introducidos y el enfoque se desvía hacia un triángulo amoroso entre Cosette, un joven estudiante burgués llamado Marius (Eddie Redmayne) y su mejor amiga, Eponine (Samantha Bark), una plebeya que no puede competir con los encantos de Cosette. Es entonces cuando la historia pierde parte de su fuerza. El drama de Eponine palidece al lado de las tragedias de vida de Fantine y Jean Valjean, pero la trama pretende colocarlo al mismo nivel, incluso dándole a Bark un tratamiento similar al de Hathaway con la canción "On My Own", sin cortes y en close-up (Bark interpretó ya este papel en la version teatral londinense), pero la comparación resulta inevitable y la escena, aunque bien interpretada, no posee el mismo gancho emocional.

Una vez que Jean Valjean vuelve al plano principal e inicia el acto final, Les Misérables retoma buena parte de su energía. La rebelión de junio de 1830 es el escenario para colocar a todos los personajes en un mismo plano y el desenlace, siempre épico, es mayoritariamente satisfactorio y emotivo. La otra piedra en el zapato, sin embargo, está en Russell Crowe y su interpretación de Javert. Al contario de Jackman, Crowe se siente totalmente fuera de su elemento. Cantar simplemente no es lo suyo y su incomodidad se traduce en una actuación unidimensional y tediosa que indudablemente lastima al film. 

Les Misérables es una producción tan ambiciosa que se salió un poco de las manos de su director. Hooper merece crédito por atreverse a hacer algo diferente con un musical, sus aciertos son enormes y variados pero sus desaciertos no pasan desapercibidos. Lo cierto es que justifica sus 158 minutos de duración y sobre todo exige una visita al cine para apreciarla en todo su esplendor.

Puntuación: 3.5 de 5

Más sobre Les Misérables:

- Las canciones fueron grabadas en el set en lugar de ser pre-grabadas antes de la filmación, lo que dió a los actores mucha más libertad a la hora de ajustar sus interpretaciones a las emociones que caracterizaban.

-  Un compendio de la version musical londinense que conmemora el 25 aniversario de la obra original. Samantha Bark interpreta "On My Own".

TARANTINO, ESCLAVO DE SÍ MISMO

El estreno de una nueva película de Quentin Tarantino representa un momento clave para cualquier cinéfilo, gracias a su impresionante trayectoria de historias que parecen vivir dentro de un universo propio. Reservoir Dogs, Pulp Fiction, Kill Bill o Inglorious Basterds pueden ser considerados clásicos modernos y es difícil definir cuál es en definitiva la obra maestra del director/escritor. Django Unchained no tiene cabida dentro de ese debate, mas no deja de proporcionar un rato entretenido aunque con algunos altibajos.

Así como ha explorado otros géneros un tanto oscuros, en esta oportunidad Tarantino realiza un western situado en el sur norteamericano, un par de años antes de la guerra civil de Estados Unidos. Las referencias a clásicos del género son abundantes, desde los más conocidos films de Sergio Leone hasta los menos populares pero más sangrientos de Sergio Corbucci, quien dirigió Django en 1966, pasando por el film de ¨blackploitation¨de los años setenta, Mandingo, uno de las favoritos del director. Pero la dinámica hombre blanco - esclavo es quizás la más clara referencia a los spaguetti westerns en general, y ahí es donde Django Unchained brilla más.



El Dr. King Schultz (Cristoph Waltz), un antiguo dentista convertido en caza recompensas, compra a un esclavo llamado Django (Jamie Foxx), para que lo ayude a cazar a un trío de personajes buscados por la justicia, a cambio de lo cual recibirá una buena suma de dinero. Por su parte, Django desea reunirse con su esposa Broomhilda (Kerry Washington), también esclava pero separada de él hace algunos años. Revelar más detalles de la trama arruinaría la experiencia, pero basta decir que Django y Shultz forman un dúo por demás interesante que representa el gancho emocional más fuerte en la historia. Waltz en particular tiene los mejores momentos durante la primera mitad, su Dr. Shultz es claramente empático a pesar de ser un asesino a sueldo y su relación con Django crece hasta un punto conmovedor.

La contraparte a la dinámica de los buenos de la trama, si es que un film de Tarantino existen personajes buenos, es la del millonario Calvin Candle (Leonardo DiCaprio) y su inusual figura paterna, un antiguo esclavo ahora liberado llamado Stephen (Samuel L. Jackson). Ambos personajes representan la cara más fea del lado privilegiado de la época de la esclavitud y los actores exprimen cada momento en pantalla para ser odiados y amados a la vez. DiCaprio y Jackson tienen los roles más jugosos de la película y su llegada poco después del segundo acto le inyecta una muy necesitaba fuerza a la historia, que hasta ese punto da algunas vueltas en forma menos interesante a lo que Tarantino nos tiene acostumbrados.

Lo que sigue de ahí en adelante es Tarantino sin destilar, con escenas de diálogos alargadas y llenas de tensión que explotan en sangrientos enfrentamientos con cierta comicidad gracias a su extrema implausibilidad. Sin embargo, esta fórmula ya comienza a sentirse reciclada, sobre todo porque estas escenas se extienden hasta puntos en extremo inverosímiles, opacando los elementos más interesantes de lo que en general es un buen guión. Pareciera que Tarantino decidió sacrificar la originalidad que lo caracteriza por complacer a su audiencia con lo que esta espera de él. Si bien Django es su más grande ¨crowd pleaser¨, también es bastante predecible, característica que nunca antes había acompañado a su trabajo cinematográfico.


Puntuación: 3.5 de 5

Más sobre Django Unchained:

- La controversia sobre las figuras de acción de Django Unchained.

- Django dentro del universo de Tarantino.